Berufsbild

Beleuchter:innen bedienen und warten alle lichttechnischen Anlagen im Bühnen- und Zuschauerraum.

Sie arbeiten eng mit den Beleuchtungsmeister:innen und gegebenenfalls mit den Lichtgestalter:innen zusammen (vgl. Meister:in für Veranstaltungstechnik, Beleuchtungsmeister:in), denen sie in fachlicher Hinsicht unterstellt sind.

Im Rahmen szenischer Lichtgestaltung müssen im Bühnenbereich Leitungen verlegt, Scheinwerfer justiert und eingerichtet, Lampen bewegt sowie akustische und visuelle Signale übermittelt werden.

Für Veranstaltungen müssen Lichtstellpulte programmiert und während der Vorstellungen die unterschiedlichen Lichtstimmungen zum richtigen Zeitpunkt abgefahren werden. Die anspruchsvollen Anlagen der Beleuchtungstechnik müssen zudem gewartet und gegebenenfalls repariert werden.

Voraussetzungen

Im Grundsatz gelten für Beleuchter:innen die gleichen Voraussetzungen wie für Beleuchtungsmeister:innen (vgl. Meister:in für Veranstaltungstechnik). Sie sollten über einschlägige Fachkenntnisse verfügen und vor allem im Umgang mit Scheinwerfern und Elektrizität geschult sein, um Wege zu finden, die künstlerischen Vorstellungen von Regisseur:innen oder Bühnenbildner:innen technisch umzusetzen.

Ausbildung

Beleuchter:in ist kein staatlich anerkannter Ausbildungsberuf. Sinnvoll ist aber eine Ausbildung zur Fachkraft für Veranstaltungstechnik. Es ist auch möglich, sich die notwendigen Fertigkeiten im Rahmen einer Mitarbeit in einem Theater nach dem Prinzip „learning by doing“ anzueignen.

Im Bereich Elektrizität gibt es verschiedene Ausbildungsberufe z.B.:

• Elektroniker:in mit der Fachrichtung Informations- und Telekommunikationstechnik
• Systemelektroniker:in
• Informationselektroniker:in
• Elektroniker:in für Maschinen- und Antriebstechnik
• sowie den Studiengang Elektrotechnik.

Welche Ausbildungsrichtung für die Arbeit in einem Theater schließlich benötigt wird, ist unterschiedlich und im Einzelfall am jeweiligen Theater zu erfragen. Auskünfte über die einzelnen Fachrichtungen sowie über mögliche Ausbildungsbetriebe gibt der Bühnenverein oder die DTHG.

Berufsbild

Betriebsdirektor:innen, oft auch Künstlerische Betriebsdirektor:innen genannt, tragen die Verantwortung für den reibungslosen Spiel- und Probenbetrieb in Opern und Schauspielhäusern.

Sie sind in der Regel der Intendanz zugeordnet und haben im Leitungsteam eine Schnittstellenfunktion zu allen künstlerischen, kaufmännischen und technischen Abteilungen. Je nach Organisationsstruktur des Hauses ist ihnen das Künstlerische Betriebsbüro bzw. der:die Disponent:in zugeordnet (vgl. Disponent:in / Leiter:in des KBB).

Neben der Verantwortung für die Disposition des Proben- und Vorstellungsbetriebs führen die Betriebsdirektor:innen auch Vertragsverhandlungen mit Ensemblemitgliedern und Gästen, organisieren Gastspiele und liefern Budgetinformationen für die Geschäftsführung. Sie müssen den Vorstellungsbetrieb sicherstellen; dafür sind sie häufig auch verantwortlich für Fragen der betrieblichen Mitbestimmung, der Theatergastronomie oder des Vorderhauspersonals.

Voraussetzungen und Ausbildung

Für die Tätigkeit von Betriebsdirektor:innen gibt es keine formalen Ausbildungsvoraussetzungen. Unverzichtbar ist eine genaue Kenntnis der Betriebsabläufe in einem Theater oder Opernhaus. Deshalb haben Betriebsdirektor:innen in aller Regel bereits Erfahrungen in anderen Funktionsbereichen des Theaters gesammelt (z.B. als Disponent:innen, Mitarbeiter:innen im Künstlerischen Betriebsbüro oder Produktionsleiter:innen).

Persönliche Voraussetzungen sind eine schnelle Auffassungsgabe, Organisationstalent und Kommunikationsfähigkeit sowie Verhandlungsgeschick. Für externe Berufseinsteiger:innen kann ein Hochschulabschluss in den Studiengängen Theater- und Orchestermanagement oder Kulturmanagement hilfreich sein.

Berufsbild

Betriebstechniker:innen warten die elektronisch-haustechnischen Anlagen im Theater und sind für die Betreuung des Betriebsgebäudes zuständig. Sie haben den gesamten Überblick und wissen genau, wann haustechnische Anlagen im Theater überholt, repariert oder ausgetauscht werden müssen. Dazu kennen sie sich mit Lüftungs-, Heizungs-, Sanitär-, Brandmelde-, Fernmelde-, Aufzugs-, Alarm- und Notstromanlagen aus.

Betriebstechniker:innen stehen insbesondere mit dem technischen Personal, wie z.B. Technische:r Direktor:in, Bühnenmeister:in und Bühnentechniker:in, im engeren Kontakt. Sie sind für die Organisation und Durchführung der Prüfung ortsveränderlicher Betriebsmittel nach DGUV (Deutsche Gesetzliche Unfallversicherung) verantwortlich.

Des Weiteren begleiten und überwachen sie Wartungsarbeiten und Prüfungen durch Fremdfirmen und Sachverständige. Weist eine Anlage einen Fehler auf, sind Betriebstechniker:innen die ersten Ansprechpartner:innen und für die Reparatur und Ersatzteilbeschaffung verantwortlich.

Darüber hinaus sind sie für die Konfiguration und Parametrierung der Gebäudetechnik unter Berücksichtigung des energieeffizienten Betriebes zuständig. Auch das Überwachen der Einstellungen und Werte (z.B. Temperatur, Luftqualität, Luftfeuchte) in der Gebäudeleittechnik im Vorstellungs- und Probenbetrieb zählen zu den Aufgaben der Betriebstechnik.

Voraussetzungen

Grundvoraussetzung für Betriebstechniker:innen ist technisch-handwerkliches Geschick. Hinzu kommen eine selbstständige Arbeitsweise und die flexible Einarbeitung in neue Themengebiete. Des Weiteren ist eigenverantwortliches Handeln unter Berücksichtigung der Wirtschaftlichkeit und eine gute Selbstorganisation für einen Tagesablauf als Betriebstechniker:in notwendig. Teamgeist und gute Kommunikationsfähigkeiten sowie die Bereitschaft, an unterschiedlichen Tagen und an Wochenenden zu arbeiten, werden vorausgesetzt.

Neben einer entsprechenden Berufsausbildung sollten erste Berufserfahrungen im Bereich Haus- und Betriebstechnik sowie ein Interesse am Theaterbetrieb vorhanden sein. Darüber hinaus sollte ein Umgang mit IT-Systemen keine Herausforderung darstellen (z.B. MS-Office, CAD-Anwendungen).

Ausbildung

Betriebstechniker:in ist kein staatlich anerkannter Ausbildungsberuf. Sinnvoll ist jedoch eine Berufsausbildung im Fachgebiet Elektrotechnik oder Mechatronik.

Betriebstechniker:innen benötigen eine Zertifizierung als befähigte Person für Aufzugsanlagen und eine Befähigung für ortsveränderliche Betriebsmittel.

Außerdem werden Kenntnisse in computergesteuerten Anlagen, Hydraulik und Pneumatik vorausgesetzt. Darüber hinaus braucht man den Führerschein der Klasse B und die Bereitschaft zu regelmäßigen Weiterbildungen.

Berufsbild

Bühnenbildassistent:innen unterstützen die Bühnenbildner:innen. Sie sind in der Regel am Theater angestellt und halten den Kontakt zu den Gastbühnenbildner:innen.

Eine gute Kommunikation zwischen Abteilungen und Gästen in der Realisierungsphase der Bühnenbildentwürfe in den Werkstätten ist besonders wichtig. Bühnenbildassistent:innen werden in die Material- und Kostenrecherche eingebunden, begleiten die Proben, organisieren Transporte, Requisiten und Beleuchtungsproben. Dies geschieht in enger Absprache mit der Regieassistenz.

Bühnenbildassistent:innen vertreten Bühnenbildner:innen in ihrer Abwesenheit. Je nach Größe und Ausstattung des Hauses werden sie entweder der Technischen Direktion oder der Ausstattungsleitung zugeordnet. An vielen Theatern dürfen erfahrenere Bühnenbildassistent:innen eigene Entwürfe an den Bühnen des Hauses realisieren.

Voraussetzungen

Dieser Beruf setzt eine hohe Belastbarkeit und viele Fertigkeiten im technischen und künstlerischen Bereich voraus. Organisationstalent, handwerkliches Geschick sowie Freude am Kommunizieren sind wichtige und wünschenswerte Eigenschaften.
Für weitere Voraussetzungen vgl. Bühnenbildner:in.

Ausbildung

Meistens wird der Beruf als Zwischenstufe betrachtet, um später selbst als Bühnenbildner:in (Szenograf:in) zu arbeiten.
Vgl. für weitere Informationen den Beruf Bühnenbildner:in.

Berufsbild

Bühnenbildner:innen – bisweilen auch Ausstatter:innen oder Szenograf:innen genannt – entwerfen das Bühnenbild für die einzelnen Szenen einer Inszenierung.

Nach Textanalyse und Recherchen erstellen sie zunächst Entwürfe. Diese Skizzen werden anschließend meist in maßstabsgetreue Modelle umgesetzt, in welchen die Raumwirkung und die technischen und szenischen Vorgänge simuliert werden. Bühnenbildner:innen erstellen für ihre Entwürfe Bühnenbildmodelle, künstlerische Vorlagen und immer öfter auch eine digitale 3D-Visualisierung.

Sie müssen sich eng mit Regisseur:innen, Kostümbildner:innen sowie Lightdesigner:innen abstimmen. In der Realisierungsphase arbeiten sie mit der Leitung der Werkstätten zusammen, die ihren Entwurf praktisch umsetzen soll. Bei einigen Produktionen sind Bühnenbildner:innen gleichzeitig auch als Kostümbildner:innen tätig.

Der Beruf wird überwiegend freiberuflich ausgeübt. In fester Anstellung sind Bühnenbildner:innen oft auch Ausstattungsleiter:innen. Als solche tragen sie die Oberaufsicht über alle Bühnenbilder, die an ihrem Theater erstellt werden und kümmern sich um die Lösung von Problemen und Konflikten, die im Rahmen der Ausstattung auftreten können. Dazu gehört auch die Betreuung von Gast-Bühnenbildner:innen und die Koordination zwischen ihnen und den hauseigenen Werkstätten.

Da Bühnenbildner:innen oft nur für einzelne Produktionen an den Theatern arbeiten, sind an vielen Häusern Bühnenbildassistent:innen (vgl. dort) tätig, die als Festangestellte des Hauses mit internen Kenntnissen zwischen den freiberuflichen Bühnenbildner:innen und dem Theater vermitteln.

Voraussetzungen

Wichtige Voraussetzungen für diesen Beruf sind neben Fantasie und Kreativität auch Organisationstalent, Verhandlungsgeschick und Pragmatismus. Bühnenbildner:innen müssen in der Lage sein, aufgrund eines Textes und der Ideen von Regisseur:innen ein Bühnenbild zu entwerfen, das sich harmonisch in das gesamte Umfeld einer Inszenierung einpasst und sich mit den technischen Gegebenheiten eines Hauses umsetzen lässt.

Wer Bühnenbildner:in werden möchte, sollte über eine gute Allgemeinbildung und architektonisches Wissen verfügen sowie ein fundiertes Wissen in Kunst- und Kulturgeschichte als auch in Stil-, Material- und Kostümkunde besitzen. Zudem ist eine ausgeprägte zeichnerische, malerische und handwerkliche Begabung hilfreich.

Formal bestehen für diesen Beruf keine festgeschriebenen Voraussetzungen. Eine vorhergehende Ausbildung als Bühnenmaler:in/Bühnenplastiker:in kann hilfreich sein, da diese Grundwissen vermittelt und die Berufschancen erhöht. Grafik- und Fotodesign sowie Innenarchitektur können ebenfalls eine Grundlage bilden.

Ausbildung

Auch wenn es keinen feststehenden Ausbildungsweg gibt, so erfolgt die Ausbildung doch in der Regel an einer Kunstakademie. Vor Beginn des meist dreijährigen Bachelor-Studiums ist ein Volontariat am Theater sowie eine mindestens einjährige praktische Tätigkeit im Malersaal ratsam, um das notwendige bühnen- und beleuchtungstechnische Wissen zu erwerben.

Im Studium werden im Allgemeinen folgende Fächer gelehrt: Entwurfsübungen, Modellgestaltung, Maltechnik, Beleuchtungstechnik, Kunst- und Theatergeschichte, Stil- und Kostümkunde, Dramaturgie, Schriftzeichnen, Perspektive, Architektur, Computer Aided Design (CAD) und Körperzeichnen. Für die Bewerbung muss man die besondere Begabung für den Beruf nachweisen und daher eine Mappe mit Arbeitsproben einreichen.

Berufsbild

Bühnenhandwerker:innen oder Veranstaltungshandwerker:innen werden im Theater überall da gebraucht, wo es um handwerkliche Kompetenzen geht, die im jeweiligen Gewerk über die einer Fachkraft für Veranstaltungstechnik hinausgehen.

In den klassischen Repertoire-Theatern ist dies vor allem bei der technischen Einrichtung von neuen Produktionen oder bei der Pflege des Bestandes der Fall. Auch bei der Herstellung besonderer Effekte sind die Fähigkeiten der Handwerker:innen gefragt. Sollten ausreichend Kapazitäten auf der Bühne vorhanden sein, können Handwerker:innen die Werkstätten bei der Herstellung von Bühnenbildern unterstützen. Bühnen- bzw. Veranstaltungshandwerker:innen können in allen technischen Abteilungen arbeiten oder abteilungsübergreifend eingesetzt werden.

Voraussetzungen

Voraussetzung ist eine mindestens dreijährige Ausbildung in einem der folgenden Berufe: Tischler:in, Zimmerleute, Schlosser:in, Elektroniker:in, Raumausstatter:in oder Maler:in/ Lackierer:in. Aktuell gefragt sind außerdem Mechatroniker:innen und Netzwerktechniker:innen.

Wünschenswert und nützlich sind mehrere Jahre Praxiserfahrung im jeweiligen Berufsfeld. Die benötigten Kompetenzfelder sind vielfältig. Klassisch sind die Bereiche mit den Materialien Holz, Metall, Stoffen und Farben. Aber auch Handwerker:innen, die Elektroinstallation durchführen können, sind sehr gefragt.

Ausbildung

Da Bühnen- bzw. Veranstaltungshandwerker:innen neben ihrer handwerklichen Kernkompetenz auch übergreifend in der Veranstaltungstechnik mitarbeiten, empfiehlt es sich, sie durch begleitete Praktika mit der neuen Arbeitsumgebung vertraut zu machen.

Ein Kurs wie z. B. „Basiswissen Veranstaltungstechnik“, wie er von einschlägigen Fortbildungsinstituten angeboten wird, dient dazu, auch rechtliche Rahmenbedingungen der Arbeit in der Veranstaltungstechnik kennenzulernen

Berufsbild

Bühnenmaler:innen und -plastiker:innen arbeiten im Bereich der Ausstattung eines Theaters. Weitere Einsatzgebiete sind insbesondere Film- und Fernsehproduktionen, Messe- und Ausstellungsbau sowie Dekorations- und Kirchenmalerei.

Ihre Aufgabe ist es, Bühnenbildentwürfe der Bühnenbildner:innen zeichnerisch, malerisch und plastisch umzusetzen. So entstehen unterschiedliche bildliche oder plastische Darstellungen als Kulissen für die Theaterproduktionen.

Für Bühnenmaler:innen steht das Malen von Dekorationen und Prospekten im Vordergrund, für Bühnenplastiker:innen die Anfertigung plastischer Arbeiten (Säulen, Figuren, Tiere, Möbel, Reliefs u.a.) mit unterschiedlichen Materialien (Polystyrol, Ton, Gips, Holz, Kunststoffe u.a.).

Die Techniken und Stilrichtungen sind vielfältig. Die Motive entstammen den Bereichen Landschaft, Architektur, Materialimitation, Porträt, figürliche Malerei, Anatomie, Schriften und Ornamente. Beide arbeiten zunehmend auch mit digitalen Medien.

Voraussetzungen

Zu den formalen Voraussetzungen gehört die erfolgreiche Absolvierung der allgemeinen Schulpflicht. Die Bewerber:innen sollten folgende Fertigkeiten mitbringen:

• ausgeprägtes Mal- und Zeichentalent
• künstlerische und handwerklich-technische Begabung
• Interesse am Theater
• räumliches Seh- und plastisches Vorstellungsvermögen
• gute Farbsehtüchtigkeit
• künstlerisches Einfühlungsvermögen
• Ausdauer und Konzentrationsfähigkeit
• gute körperliche Konstitution und Belastbarkeit

Bühnenmaler:innen und -plastiker:innen arbeiten häufig im Stehen oder in gebückter Haltung sowie im Umfeld von Farben und Lösungsmitteln. Der Stütz- und Bewegungsapparat sollte daher nicht beeinträchtigt sein und einschlägige Allergien nicht bestehen. Gute Noten in Kunst und Technik sowie mathematische Kenntnisse sind von Vorteil. So gilt es z.B. Entwürfe maßstabsgerecht umzusetzen.

Ausbildung

Die Ausbildung dauert drei Jahre und schließt mit einer Prüfung vor der Industrie- und Handelskammer ab. Sie ist bundeseinheitlich geregelt und staatlich anerkannt.

In den ersten beiden Ausbildungsjahren lernen die Auszubildenden gemeinsam. Im dritten Ausbildungsjahr ist zwischen den Fachrichtungen „Malerei“ und „Plastik“ zu wählen.

Die Ausbildung ist dual aufgebaut. Die praktische Ausbildung erfolgt in den Werkstätten der Theater, die theoretischen Inhalte vermitteln die Berufsschulen. Weitere Ausbildungsplätze gibt es bei Fernsehanstalten, Filmproduktionen, in Bildhauer- und Malerateliers sowie in Ausstattungsbetrieben. Wer im Einzelnen ausbildet bzw. zur Zeit freie Ausbildungsstellen bereithält, muss beim jeweiligen Betrieb direkt erfragt werden. Freie Ausbildungsplätze am Theater werden auch auf dem Portal bühnenjobs.de veröffentlicht.
Die Hochschule für Bildende Künste in Dresden bietet überdies das Fachhochschulstudium „Theaterausstattung“ an.

Berufsbild

Choreograf:innen entwickeln für klassisches Ballett, Tanztheater, zeitgenössischen Tanz oder Performance tänzerische Abläufe: die Choreografie.

In Oper, Operette und Schauspiel kommen ebenfalls häufig tänzerische Elemente zum Einsatz. Diese müssen fachkundig choreografiert, d.h. geplant und einstudiert werden. Hierzu erarbeiten Choreograf:innen die Vorlage für die Umsetzung der tänzerischen Abläufe. Außerdem wählen sie die Tänzer:innen aus und trainieren mit diesen die Choreografie.

Choreograf:innen arbeiten sowohl frei als auch in fester Anstellung und sind in der Regel ausgebildete Tänzer:innen mit mehreren Jahren Bühnenerfahrung.

Voraussetzungen

Neben tänzerischer Berufserfahrung benötigt man für diesen Beruf eine außergewöhnliche Bewegungsfantasie, um sich tänzerische Bewegungsabläufe vorzustellen und neue Choreografien zu entwickeln. Die künstlerische Vision muss man den Tänzer:innen gut vermitteln können, dazu braucht man Kommunikations- und Führungskompetenzen. Hohe Musikalität ist zudem erforderlich sowie ein instinktsicheres Gefühl für den artifiziellen Raum.

Eine gute Allgemeinbildung und Kenntnisse im kulturellen, künstlerischen und sozialen Bereich sowie Englischkenntnisse sollten Choreograf:innen ebenfalls mitbringen. Eine abgeschlossene Tanzausbildung ist für den Beruf zwar keine Pflicht, aber heute meistens üblich.

Ausbildung

Die (Ergänzungs-)Studiengänge Choreografie (Master of Arts) vermitteln künstlerisch-praktisches und pädagogisches Wissen. Neben Raum-, Bewegungs- und Kompositionslehre werden Techniken des modernen und klassischen Tanzes angeboten.

Auch Musiklehre, Tanzgeschichte und Anatomie stehen auf den Stundenplänen der Ausbildungsinstitute, um auf den vielschichtigen Beruf vorzubereiten.

Berufsbild

Den Beruf gibt es seit rund 200 Jahren. Chorsänger:innen sind in verschiedenen Chören tätig, z.B. in Konzertchören und Opernchören. Eine Mindestanzahl von Sänger:innen pro Stimmgruppe ist notwendig, um einen homogenen Klang zu erzeugen. Dabei ist ein Chor in der Regel in acht Stimmgruppen eingeteilt:

• Sopran I & II
• Alt I & II
• Tenor I & II
• Bass I & II

Opernchöre in Deutschland haben zwischen 24 und 120 Mitglieder. Sie sind ein eigenes Ensemble von professionell ausgebildeten Sänger:innen innerhalb des Theaters. In der Oper brauchen die Chormitglieder eine stilistische Versiertheit, die von der Barockoper bis zum zeitgenössischen Musiktheater, von der Spieloper bis zum Musical reicht. Die eigene Stimme sollte sich deshalb in den Gesamtklang des Chores integrieren und je nach Anforderung lyrisch, dramatisch oder buffonesk gefärbt werden können.

Chorsänger:innen haben außergewöhnliche Gedächtnisleistungen zu erbringen, da sie ständig eine größere Anzahl musikalisch unterschiedlicher Werke in verschiedenen Sprachen beherrschen müssen. Die szenische Darstellung verlangt hohe Eigenständigkeit und Verantwortung in der szenischen Gestaltung, ohne dabei die Rolle des gesamten Chorensembles aus dem Blick zu verlieren.

Anders als Solist:innen erhalten Chorsänger:innen relativ wenig Probenzeit innerhalb der Erarbeitung eines Opernwerks, dagegen gibt es häufigere Wiederholungen von Vorstellungen. Motivation, Entwicklung und Training von Stimme und darstellerischem Ausdruck ist deshalb ebenso gefordert wie bei Solist:innen, nur der Grad an Exponiertheit auf der Bühne als individuelle:r Sänger:in variiert je nach Rolle, Inszenierung und Werk.

Der Chorvertrag ist befristet. Allerdings sind die Arbeitsbedingungen – anders als bei Solist:innen – durch Tarifrecht umfassender geregelt. Es existiert daher, insbesondere auf die Beendigung befristeter Arbeitsverträge bezogen, ein größerer Sozialschutz.

Voraussetzungen

Grundsätzlich müssen Chorsänger:innen eine überdurchschnittliche Musikalität sowie eine solide und souveräne Gesangstechnik besitzen, um den besonderen Anforderungen des komponierten Chorsatzes – u.a. Vielstimmigkeit des Chorsatzes, den A-Capella-Passagen, solistischen Einschüben, dem vorgesehenen Tonumfang und auch speziellen Artikulationsweisen bei zeitgenössischen Werken – gerecht zu werden.

Die eigene Stimme sollte tragfähig und klingend sein und vor allem in der Mittellage Strapazierfähigkeit beweisen. Neben psychischer und physischer Stabilität sollten Chorsänger:innen auch über gute darstellerische Fähigkeiten und eine gute Kondition verfügen.

In Vorsingen am jeweiligen Opernhaus weist man seine Eignung und seine Leistungsfähigkeit für den Beruf nach. In der Regel ist für jede Stimmgruppe zusätzlich ein bestimmter Arienkanon „Pflichtstücke“ festgelegt, und es wird der Nachweis in Fähigkeiten des „Vom-Blatt-Singens“ verlangt. Auch Kollektivfähigkeit und soziale Kompetenz sind wichtig. Es ist daher von Vorteil, sich bei Interesse frühzeitig für den Beruf zu entscheiden, da das Singen im Chor andere Fertigkeiten erfordert, als das solistische Singen. Bei den meisten Chören besteht zudem für den Berufsanfang eine Altersgrenze, die je nach Stimmfach zwischen 35 (Frauenstimmen) und 40 Jahren (Männerstimmen) liegt.

Ausbildung

In der Regel setzt der Beruf ein mehrjähriges Gesangsstudium voraus. Für das Studium ist eine weiterführende Schulbildung vorteilhaft. Meist erfolgt nach einer Eignungsprüfung an einer Musikhochschule eine solistische Gesangsausbildung mit szenischem Unterricht und vorzugsweise Musiktheater-Schwerpunkt von drei bis fünf Jahren mit dem Abschluss Bachelor oder Diplom.

An diese kann sich ein Masterstudium von zwei Jahren anschließen. Hier bieten einige Hochschulen einen speziellen Studiengang „Opernchor“ an, andere bilden schwerpunktmäßig zum:zur Solist:in aus, was aber der späteren Entscheidung für die Chorlaufbahn nicht entgegensteht.

Der Zeitaufwand für das Studium beträgt ohne das private Üben und Literaturstudium zwischen 15 und 30 Wochenstunden. Wie bei Solist:innen ist ein Nebeninstrument (Klavier) obligatorisch, Interesse und Freude an szenischer Gestaltung notwendig. Für den Eintritt in den Beruf wird im Studium ein Repertoire an Vorsinge-Rollen und -Arien erarbeitet. Um sich über ihre grundsätzliche Eignung für den Beruf Klarheit zu verschaffen, können Sänger:innen mit chorischer Vorbildung im Extra-Chor eines Opernhauses Erfahrungen sammeln. Der Extra-Chor wird engagiert, wenn die Größe des hauseigenen Chores nicht ausreicht oder wenn spezielle Anforderungen des Opernwerks gegeben sind.

Für weitere Informationen siehe auch Solosänger:in

Berufsbild

Theatercontroller:innen haben sich in den letzten Jahren nicht nur an großen Theatern sondern auch an kleinen Häusern immer stärker etabliert. Sie leisten als Partner:innen der Theaterleitung einen wesentlichen Beitrag zum nachhaltigen Erfolg des Hauses. Durch die regelmäßige Auswertung und Analyse von Daten liefern Controller:innen wichtige Fakten und Sichtweisen, die die Theaterleitung entlasten und bei ihren Entscheidungen zur Planung und Steuerung des Theaters maßgeblich unterstützen. Controller:innen richten dabei ihren betriebswirtschaftlichen Blick auf die Gesamtheit des Theaters. Sie beschäftigen sich mit der Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft und ermöglichen den Entscheidungsträger:innen, zielorientiert zu handeln, Chancen wahrzunehmen und mit Risiken umzugehen. Controller:innen sind für die Ergebnistransparenz verantwortlich, sichern die Datenqualität und wählen passende Instrumente, um entscheidungsrelevante Informationen zu generieren. Ihre Tätigkeiten sind vielfältig, allumfassend und verantwortungsvoll. Schwerpunkte liegen u.a. im internen Personal- und Vertriebscontrolling aber auch in der regelmäßigen Berichterstattung für die Theaterleitung und die Aufsichtsgremien.

Voraussetzungen

Neben einer entsprechenden Ausbildung sollten erste praktische Erfahrungen im Controlling vorhanden sein und ein Interesse am Theater vorliegen. Theatercontroller:innen sollten kommunikativ, exakt, geduldig, durchsetzungsstark, aufgeschlossen und einfühlend sein. Außerdem sollten sie präsentieren, analysieren und mit unterschiedlichen Mitarbeiter:innen und Abteilungsebenen kommunizieren können. Darüber hinaus sollte ein sicherer Umgang mit IT-Systemen, insbesondere mit Microsoft Office Anwendungen und Analyse-Tools selbstverständlich sein.

Ausbildung

Ein abgeschlossenes betriebswirtschaftliches Studium, idealerweise mit den Schwerpunkten Finanzen, Controlling und öffentlicher Betriebswirtschaftslehre, oder eine vergleichbare Ausbildung ist erforderlich.

Berufsbild

Dekorateur:innen im Theater fertigen für die Erstellung von Bühnenbildern alle größeren Dekorationsarbeiten an, die in irgendeiner Form mit Stoffen zu tun haben: Sie nähen z.B. Vorhänge, Prospekte und Segel, bearbeiten Bodenbeläge, polstern Möbel, bespannen oder tapezieren Kulissenwände. Die Entscheidung, welches Material für die Umsetzung des Bühnenbildes verwendet wird, muss stilistische und akustische Aspekte berücksichtigen. Dabei arbeiten Dekorateur:innen eng mit der Werkstättenleitung, der Requisite, der Technischen Direktion und Bühnenbildner:innen zusammen, deren Entwürfe sie eigenverantwortlich realisieren.

Dekorateur:innen sind nicht nur in den Bühnenwerkstätten tätig, sondern auch in der Bühnentechnik, um dort neben den allgemeinen Aufgaben ihr Fachwissen einzubringen. Hier sind sie für Auf- und Abbau von Dekorationen verantwortlich und führen erforderliche Reparaturen durch.

Voraussetzungen

Als Dekorateur:in sollte man Interesse an der Verwirklichung künstlerischer Ideen, Lust auf außergewöhnliche Entwürfe und ein hohes Maß an Flexibilität haben. Stressresistenz und die Fähigkeit zu schnellem (Um-)Arbeiten sind wichtig. Dazu sollten Dekorateur:innen ein ausgeprägtes Stilempfinden haben, um auch Bühnenbilder vergangener Epochen detail- getreu realisieren zu können.

Ausbildung

Grundlage für die Arbeit als Theaterdekorateur:in ist eine Ausbildung als Gestalter:in für visuelles Marketing oder Raumausstatter:in. Die handwerkliche Ausbildung zum:zur Gestalter:in für visuelles Marketing oder Raumausstatter:in dauert in der Regel drei Jahre. Detaillierte Auskünfte über Inhalt, Verlauf und Voraussetzungen der Ausbildung gibt es bei der Bundesagentur für Arbeit. Einige Theaterwerkstätten bilden auch selber Dekorateur:innen aus.

Berufsbild

Als Dirigent:in erarbeitet man gemeinsam mit dem Orchester die Aufführung eines Musikwerks und ist verantwortlich für die musikalische Interpretation des Stückes.

Ein ausgeprägtes psychologisches Einfühlungsvermögen und ein feines Gehör, gepaart mit Erfahrung und theoretischem Wissen, ermöglicht es, die Solist:innen und Orchestermusiker:innen zu leiten und ihre individuellen Leistungen zu einem musikalischen Gesamtkunstwerk zusammenzuführen.

Durch die Zeichnung der Taktfiguren mit dem Taktstock regeln Dirigent:innen zunächst den äußeren metrischen Ablauf der Musik. Darüber hinaus bewirken und beeinflussen sie durch das „Wie“ der Zeichengebung Dynamik, Phrasierung, Ausdruck, Einsätze etc.

Je nach Größe eines Opernhauses oder Konzertorchesters sind mehrere Dirigent:innen in den verschiedensten Funktionen tätig. Trotz ihrer voneinander abweichenden Aufgaben im Opernbetrieb verfügen sie alle im Wesentlichen über die gleiche Ausbildung. Der:die ranghöchste Dirigent:in ist der:die Generalmusikdirektor:in (GMD). Als künstlerische Leitung eines Orchesters dirigiert er:sie in der Regel die Hauptwerke eines Spielplans in den wichtigen Vorstellungen (Premieren) und studiert diese mit dem Orchester ein. In welcher Weise ein:e GMD an der Gestaltung des Spielplans und dem Engagement von Sänger:innen beteiligt ist und welche Weisungsbefugnisse er:sie hat, variiert von Theater zu Theater.

Hierarchisch nachfolgend gibt es auf jeden Fall eine:n 1. Kapellmeister:in – der:die neben eigenen vertraglich zugesicherten Premieren – das Repertoire des:der GMD nachdirigiert und auch im administrativen Bereich vertreten kann. 1. Kapellmeister:innen prägen das künstlerische Niveau eines Hauses nachhaltig mit. Weitere Dirigent:innen können als koordinierte oder 2. Kapellmeister:innen, aber auch mit Spezialaufgaben als Ballett- oder Operettenkapellmeister:in angestellt sein. Eine Dirigierverpflichtung für Repertoirevorstellungen ist auch bei Chordirektor:innen, Repetitor:innen (vgl. dort) und Studienleiter:innen möglich, denen allerdings meist keine eigene Einstudierung anvertraut wird.

Chordirektor:innen sind Dirigent:innen, die sich im Laufe ihres Studiums auf Chorleitung spezialisiert haben. Im Theater bereiten sie den Opernchor und bei Bedarf den Extra-Chor musikalisch auf jedes Werk vor. Während der Vorstellung beaufsichtigen sie hinter der Bühne die Einsätze des Chores und dirigieren schwierige Passagen von der Seite mit. Unsichtbare Choreinsätze werden auf der Hinter- oder Seitenbühne mit Blickkontakt zum:zur Dirigent:in über einen Monitor geleitet. Die Dirigierbewegungen sind anders, beim Chordirigieren verzichtet man zudem auf den Taktstock.

Der:die Studienleiter:in wiederum ist direkt dem:der GMD unterstellt und fungiert als Vorgesetzte:r aller Repetitor:innen einer Sparte. Mit dem:der Dirigent:in einer Produktion klärt er:sie Striche, Tempofragen usw., weist die Repetitor:innen ein und überprüft regelmäßig den Leistungs- stand der Sänger:innen. Weiterhin kümmert er:sie sich um die Bühnenmusik und betreut die Wartung und das Stimmen der Tasteninstrumente (Klaviere, Cembalo, Celesta, Orgel).

Voraussetzungen

Zum Dirigent:innen-Beruf gehören neben einschlägigen musikalischen Fähigkeiten Voraussetzungen wie pädagogisches Geschick, Fähigkeiten in der Menschenführung und in der Konfliktlösung sowie eine möglichst umfassende kulturhistorische Bildung. Das Abitur als Schulabschluss ist zu empfehlen, benötigt wird für die Aufnahme in eine Dirigentenklasse meist die Mittlere Reife.

Musikalisch werden Rhythmusgefühl, das relative Gehör und ein gutes Musikgedächtnis gefordert, die sich in sicherem Klavierspiel (Prima-Vista- und Partiturspiel), Kenntnissen bei möglichst vielen Instrumenten und sängerischen Erfahrungen (Chor) darstellen. Darüber hinaus gelten Kommunikations- und Kontaktfähigkeit und eine persönliche Ausstrahlung als Grundvoraussetzungen. Nicht zu vernachlässigen ist die körperliche Leistungsfähigkeit: Dirigieren ist Schwerarbeit, daher ist körperliche Fitness wichtig.

Wie bei allen Leitungspositionen obliegen auch Dirigent:innen besondere Fürsorgepflichten für ihre Mitarbeiter:innen. Sie müssen dafür sorgen, dass das Miteinander im Team respektvoll sowie diskriminierungs- und angstfrei abläuft und sich auch selbst dementsprechend verhalten.

Ausbildung

Nach der Aufnahmeprüfung treten die Studierenden in die Kapellmeister:innenklasse einer Akademie oder Musikhochschule ein. Das Studium umfasst vor allem Orchester- und Chorleitung, und zwar sowohl im Einzel- und Gruppenunterricht als auch vor dem Hochschulorchester. Es dauert etwa acht Semester. Unterrichtsfächer sind u.a.:

• Schlagtechnik
• Repertoireaneignung
• Tonsatz
• Gehörbildung
• Musikgeschichte
• Stimm- und Instrumentalkunde
• sowie Klavier- und Instrumentalunterricht für die eigene Spielpraxis.

Oftmals ist die Mitwirkung im Hochschulchor oder -orchester obligatorisch, um zukünftigen Dirigent:innen ein Gefühl für das Mitatmen und Begleiten zu vermitteln. Italienischunterricht ist für Operndirigent:innen ebenfalls Pflicht.

Aufnahmebedingungen und Lehrpläne der Hochschulen sind unterschiedlich gestaltet. Gewöhnlich werden die Studierenden nach einer bestimmten Zahl von Semestern oder einer Zwischenprüfung von der Ausbildungsklasse in die Meister:innen-Klasse übernommen.

Volontariate bei Theatern und internationale Dirigent:innenkurse sollten das Lehrangebot der Hochschule ergänzen, um durch die Arbeit mit wechselnden Orchestern die nötige Routine zu erlangen. Einen Zusatzstudiengang Chordirigieren gibt es an den Hochschulen in Hamburg und Leipzig; der Studiengang wendet sich an Bewerber:innen mit vorhandener künstlerischer Qualifikation (Schulmusik, Kirchenmusik, Komposition etc.).

Zum Einstieg in den Beruf nach dem Examen kann man sich von der ZAV unentgeltlich vermitteln lassen; mehr Chancen, die erste Anstellung zu erlangen, versprechen die bei Dirigierkursen, Assistenzen oder bei Wettbewerben geknüpften Kontakte. Weiterbildungsangebote findet man unter anderem auf der Website www.dirigentenforum.de. Die Gage, die Anzahl eigener Einstudierungen oder Dirigate sowie die Verpflichtung zu Orchesterdiensten werden frei ausgehandelt. Als Studienleiter:in besitzt man in der Regel das Kapellmeister:innen-Examen.

Berufsbild

Als Disponent:in – manchmal auch Chefdisponent:in genannt – trifft man Entscheidungen für den Spiel- und Probenbetrieb, legt also fest, wann und wo welche Künstler:innen und andere Mitarbeiter:innen arbeiten. Das geschieht in Abstimmung mit allen Abteilungen des künstlerischen und technischen Bereichs und mit der Personalvertretung.

Disponent:innen regeln den langfristigen Einsatz von Beschäftigten sowie eventuell notwendige Umbesetzungen und terminieren Abstecher, Gastspiele und Sonderveranstaltungen im eigenen Haus. Aufgrund dieser Aufgabenfungieren fungieren sie bisweilen als Stellvertretung der Intendanz und führen häufig die Bezeichnung Künstlerische:r Betriebsdirektor:in. Sie nehmen beratend an der Spielplangestaltung teil, in der abgestimmt mit der Intendanz und der Dramaturgie langfristig die künstlerische Linie des Theaters festgelegt wird. Zudem planen sie detailliert die aktuelle Spielzeit, und stimmen dabei personelle Gegebenheiten, Werkstattkapazitäten, das Raumangebot und die Ansprüche der Abonnent:innen aufeinander ab. Daraus entstehen Monats- und Wochenarbeitspläne, die auch neue Entwicklungen berücksichtigen können.

Leiter:innen des Künstlerischen Betriebsbüros (KBB) arbeiten eng mit den Disponent:innen zusammen, deren langfristige Strategien sie in der täglichen Arbeit umsetzen. In der Hierarchie untersteht ein:e Leiter:in des KBB der Disponenz und realisiert deren Planungen. An kleinen Häusern werden beide Aufgabengebiete zumeist in Personalunion wahrgenommen. Je nach Größe des Hauses arbeiten im KBB auch noch Assistenzen. Leiter:innen des KBB erstellen in Zusammenarbeit mit den Regisseur:innen bzw. Assistenzen und musikalischen Studienleiter:innen den Tagesarbeitsplan mit Einteilung der Probenräume und der Beschäftigten.

Darüber hinaus geben sie die Abendbesetzung bekannt. Außerdem werden im KBB Honorarabrechnungen, Urlaubsgesuche und Krankmeldungen bearbeitet sowie Gast-Engagements mitsamt den Gagenverhandlungen geplant oder Ersatzvorstellungen ermöglicht. Auch Notfälle werden zuerst dem KBB mitgeteilt.

Voraussetzungen

Disponent:innen oder Leiter:innen des KBB müssen ihren Betrieb in allen Bereichen genau kennen. Nur wenn sie mit den Personen, Abläufen und Besonderheiten des Theaters eng vertraut sind, ist es ihnen möglich, diesen Beruf erfolgreich auszuüben. Daraus ergibt sich zwangsläufig, dass Außenstehende nicht für diese Tätigkeit in Frage kommen; nur jemand, der bereits Berufserfahrung am Theater gesammelt hat, wird in dieses zentrale Arbeitsgebiet eines Theaters umsteigen können.

Neben guten Kontakten zu allen Abteilungen des Hauses sind Kenntnisse der Tarifverträge und des Arbeitsrechts sowie künstlerisches Einfühlungsvermögen, Belastbarkeit in Stresssituationen, Improvisations- und Organisationstalent, gepaart mit Verhandlungsgeschick, unverzichtbar.

Ausbildung

Es gibt keine formal festgelegte Ausbildung für die beiden Tätigkeiten.

Berufsbild

Dramaturg:innen geben dem Theater Gestalt, indem sie Spielpläne entwerfen, Projekte initiieren und Produktionen begleiten – an öffentlichen wie privaten Theatern, in Theatergruppen oder bei Festivals.

Ihr Tätigkeitsfeld verändert und erweitert sich regelmäßig, da sich Produktionskontexte und theatrale Ästhetik ständig wandeln. Neben Schauspiel und Musiktheater sind Dramaturg:innen zunehmend auch in den Bereichen Tanz, Performance und Figurentheater tätig. Dabei arebtien Dramaturg:innen in zwei Richtungen: Nach innen – im Theater selbst – gestalten sie den Spielplan mit und sind an der Konzeption und Durchführung von Projekten beteiligt. Nach außen – gegenüber der Öffentlichkeit – kümmern sie sich um die Vermittlung des künstlerischen Programms, die Einbindung des Publikums und den Diskurs über theatrale Ereignisse.

Zu den zentralen Aufgaben der Dramaturgie gehört das Lektorat: Dramaturg:innen sichten und bewerten Theatertexte und Opernstoffe, kommunizieren mit Verlagen und Autor:innen und geben bei Bedarf Übersetzungen, neue Stücktexte oder Kompositionen in Auftrag.

In der Vorbereitung auf eine Produktion recherchieren sie Begleitmaterialien, beraten über Besetzungen und wirken an der Einrichtung des Werkes für die Bühne mit. Bei der Adaption von Filmen oder Romanen für die Bühne wie auch bei Stoff- und Stückentwicklungen werden Dramaturg:innen selbst als (Ko-)Autor:innen tätig.

Im Blick auf die nationale und internationale Theaterlandschaft laden sie Produktionen zu Gastspielen ein und gestalten das Programm von Festivals und Festspielen. Auch die Zusammenarbeit eines Theaters mit freien Theatergruppen wird von der Dramaturgie initiiert und betreut.

Im Produktionsprozess selbst sind Dramaturg:innen kritische Begleitende des entstehenden Kunstwerks. Sie sind erste Ansprechpartner:innen der Regie, Vermittelnde zwischen unterschiedlichen künstlerischen Positionen und kommunikatives Bindeglied zwischen Produktionsteam und Theaterleitung. Mitunter können Dramaturg:innen auch die Produktionsleitung innehaben und damit die Organisation und Durchführung von Theaterprojekten verantworten. Sie sind Mittler:innen und Werbende für das Theaterereignis, indem sie Programmhefte gestalten und in Einführungen, Matineen, Podiumsdiskussionen und Workshops den Austausch mit dem Publikum suchen.

Die Strategien und Mittel, mit denen ein Theater seine künstlerischen Ideen kommuniziert, werden von der Dramaturgie zusammen mit der Abteilung für Presse- und Öffentlichkeitsarbeit geplant, gebündelt und koordiniert. Dramaturgische Arbeit bestimmt sich in erster Linie durch intellektuelle Neugierde, die Freude an der Analyse von Stoffen und der offenen Auseinandersetzung.

Voraussetzungen

Der Dramaturgie-Beruf verlangt keine festgelegten formalen Voraussetzungen, obwohl es mittlerweile spezielle Studiengänge gibt. Unabdingbar sind jedoch:

• umfangreiche Kenntnisse des Theaters in Gegenwart und Vergangenheit
• Interesse an sozialen, politischen, philosophischen Zusammenhängen
• Erfahrung in der Analyse und Bewertung ästhetischer Gegenstände
• sowie Fähigkeiten im Formulieren von Texten.

Daher ist ein einschlägiges geisteswissenschaftliches Studium als Vorbildung besonders geeignet. Auch die Fähigkeit zur Projektentwicklung und -management, zur interdisziplinären Vernetzung sowie der kompetente Umgang mit experimentellen Formen der Theaterpraxis rücken zunehmend in den Vordergrund. Außerdem sollten angehende Dramaturg:innen die folgenden Eigenschaften mitbringen:

• Durchsetzungsvermögen und Überzeugungskraft
• Teamfähigkeit und Kontaktfreude
• Gespür für Form und Ästhetik
• Fantasie
• Sensibilität
• Menschenkenntnis
• und die Lust am Entdecken neuer Möglichkeiten.

Ob mit oder ohne Studiengang oder zunächst als Dramaturgieassistent:in – in diesem Beruf Fuß zu fassen, hängt vor allem vom persönlichen Engagement ab, angefangen von der Aneignung der notwendigen Kenntnisse bis hin zur eigenständigen Vernetzung im Theaterbereich.

Ausbildung

Mit der Veränderung der Theaterlandschaft in den letzten Jahren haben sich auch die spezifischen Anforderungen an die Dramaturgieausbildung gewandelt. Mittlerweile gibt es an mehreren Hochschulen Bachelor- und Masterstudiengänge, die sich durch eine Integration von Theorie und Praxis und den interdisziplinären Austausch mit anderen künstlerischen Studiengängen auszeichnen.

Um in den Beruf einzusteigen sind in der Regel praktische Erfahrungen am Theater durch Hospitanzen oder Tätigkeiten als Dramaturgie-Assistenz erforderlich.

Berufsbild

Veranstaltungstechniker:innen arbeiten in der technischen Abteilung eines Theaters  und kümmern sich dort um die technischen Aspekte auf der Bühne. Weitere Arbeitsgebiete sind Film- und Fernsehproduktionen, Mehrzweckhallen, Kongress-Zentren sowie Messebau- und Veranstaltungs-Unternehmen. Dieser noch relativ junge Beruf bündelt im Wesentlichen die Tätigkeiten von Bühnentechniker:innen, Beleuchter:innen und Tontechniker:innen. Im Theater können Fachkräfte für Veranstaltungstechnik – je nach Ausbildung – in allen Bereichen der Technik eingesetzt werden.

Voraussetzungen

Wer als Veranstaltungstechniker:in am Theater arbeiten möchte, sollte technisches Interesse besitzen und die Bereitschaft mitbringen, sich mit den spezifischen Gegebenheiten eines künstlerischen Betriebs auseinander zu setzen. Aufgeschlossenheit gegenüber künstlerischen Ideen und Entwürfen von Regisseur:innen und Bühnenbildner:innen sind notwendig, um mit ihnen gemeinsam nach der besten Lösung suchen zu können, ohne dabei die technischen und finanziellen Grenzen aus den Augen zu verlieren. Technisches Verständnis, handwerkliches Geschick, Kreativität bei der Lösung technisch-künstlerischer Problemstellungen, Teamfähigkeit, Zuverlässigkeit, Verantwortungsbewusstsein, zeitliche Flexibilität und Belastbarkeit sollten vorhanden sein. In vielen Bereichen erleichtern Computer- und Englischkenntnisse die Arbeit.

Ausbildung

Für die staatlich anerkannte Ausbildung zur Fachkraft für Veranstaltungstechnik benötigt man einen Hauptschulabschluss. Die Ausbildung dauert drei Jahre und umfasst im Wesentlichen die Bereiche Konzeption von Veranstaltungen, Sicherheit, Geräte bereitstellen, einrichten, prüfen, sichern, transportieren und lagern, Bedienung bühnentechnischer Anlagen, Energieversorgung, Licht-, Ton- und Beschallungsanlagen, Aufnahme und Übertragung von Licht-, Bild- und Tondaten, Spezialeffekte, Planung und Durchführung von Veranstaltungen sowie den Einsatz von Medien. Mit abgeschlossener Ausbildung und Berufserfahrung gibt es Möglichkeiten zur Weiterqualifizierung, z.B. als Meister:in für Veranstaltungstechnik.

Berufsbild

Der Bereich Finanz- und Rechnungswesen wird in größeren Häusern von einem:r Abteilungsleiter:in, meist einem:r Bilanzbuchhalter:in, geleitet. Das Finanz- und Rechnungswesen ist der Verwaltungsdirektion oder der kaufmännischen Direktion unterstellt. Die Anzahl der Beschäftigten in der Finanzbuchhaltung ist von der Größe des Hauses abhängig.

Finanzbuchhalter:innen übernehmen die Bearbeitung der Teilbereiche Debitoren-, Kreditoren- und Sachkontenbuchhaltung unter Berücksichtigung unterschiedlicher Geschäftsfälle nach den Grundsätzen ordnungsmäßiger Buchführung (GoB) und den handelsrechtlichen und steuerrechtlichen Vorschriften. Zudem sind sie für den Zahlungsverkehr und die Abrechnung unterschiedlicher Verträge zuständig. Finanzbuchhalter:innen wirken maßgeblich bei der Aufstellung der Monats- und Jahresabschlüsse mit.

Das Aufgabengebiet der Leitung des Finanz- und Rechnungswesens umfasst das Erstellen von Monats- und Jahresabschlüssen nach deutschem Handels- und Steuerrecht. Sie ist für die Zusammenarbeit mit Wirtschaftsprüfer:innen und Steuerberater:innen verantwortlich und bereitet die Unterlagen für die Steuererklärungen für Umsatzsteuer, Einkommens- und Körperschaftssteuer vor. Darüber hinaus organisiert die Leitung des Finanz- und Rechnungswesens alle Vorgänge im Rechnungswesen einschließlich der Personalführung. Sie überwacht die Liquidität des Unternehmens und unterstützt das Controlling.

Voraussetzungen

Finanz- und Rechnungswesens alle Vorgänge im Rechnungswesen einschließlich der Personalführung. Sie überwacht die Liquidität des Unternehmens und unterstützt das Controlling.

Für den Einsatz im Finanz- und Rechnungs- wesen sollten Finanzbuchhalter:innen, exakt, geduldig und gewissenhaft sein. Außerdem sollten sie in der Lage sein, mit verschiedenen Menschen zu kommunizieren – am Theater treffen sie auf Künstler:innen, Techniker:innen, Verwaltungsleute usw. Neben einer entsprechenden Ausbildung sollte erste Berufserfahrung im Finanz- und Rechnungswesen gegeben sein und ein Interesse am Theater- betrieb bestehen. Ein versierter Umgang mit IT-Systemen sollte selbstverständlich sein.

Ausbildung

In den Bereich des Finanz- und Rechnungswesens gelangt man entweder über eine Verwaltungslaufbahn oder man hat eine an- erkannte kaufmännische Ausbildung und eine Weiterbildung zum:zur Finanzbuchhalter:in. Für die Tätigkeit als Leitung des Finanz- und Rechnungswesens ist eine abgeschlossene Ausbildung in einem anerkannten kaufmännischen Beruf zusätzlich drei Jahre Berufserfahrung im Rechnungswesen und ein Abschluss als Bilanzbuchhalter:in erforderlich. Hochschulabsolventen der wirtschaftlichen Fakultät können nach einer zweijährigen Berufspraxis die Prüfung zum:zur Bilanzbuchhalter:in absolvieren.

Berufsbild

Im Theater werden über die Jahre zahllose Kostüme angefertigt und angeschafft, dazu kommen Accessoires wie Schuhe, Hüte, Handschuhe, Schals etc. In größeren Häusern reihen sich nicht selten mehrere tausend Meter Kostüme auf einer Kleiderstange aneinander; ein solches Magazin (Fundus) kann ohne Verwaltung nicht existieren.

An kleineren Häusern, in denen ein Kostümmagazin überschaubar ist, sind meistens die Gewandmeister:innen mit der Pflege des Kostümmagazins betraut. Ab einer mittleren Theatergröße übernimmt ein:e Fundusverwalter:in (Kostümmagazinverwalter:in) die Pflege, an größeren Häusern sogar mehrere. Sie sortieren nach Damen-, und Herrenkleidung, Epoche, Material, Farbe und manchmal sogar nach Größen, damit ein leichter Zugriff auf die Kostüme erfolgen kann. Sehr oft werden Funduskostüme wieder in neuen Produktionen verwendet. Deshalb wird der:die Fundusverwalter:in während der Produktionsvorbereitung zu wichtigen Partner:innen für die Kostümbildner:innen.

Fundusverwalter:innen kennen ihren Bestand so genau, dass sie meist auf Anhieb wissen, ob das Gewünschte vorhanden ist. In der Ballettsparte großer Häuser gibt es teilweise auch Verwalter:innen, die sich mit einem eigenen Etat um die Verwaltung der Spitzenschuhe kümmern. Eine weitere Aufgabe in diesem Beruf ist der Verleih von Kostümen an andere Theater, soziale Einrichtungen und manchmal auch an Privatpersonen. Darüber hinaus organisieren Fundusverwalter:innen meist die Kostümverkäufe, die einige Theater – z.B. zur Karnevalszeit – durchführen.

Voraussetzungen und Ausbildung

Eine spezielle Ausbildung gibt es nicht. Der Beruf ist ein Quereinsteiger:innenberuf, von Vorteil ist eine textile Ausbildung. Organisationstalent, ein starker Ordnungswille, die Liebe zum Kostüm, Theaterbegeisterung, handwerkliches Geschick und großes Wissen in Kostüm- und Kunstgeschichte sind die Grundlagen für eine Befähigung zum:zur Fundusverwalter:in.

Eine gute körperliche Konstitution ist wichtig, denn oft sind schwere Kostümrollständer zu trans- portieren oder es müssen schwere Kostüme aufgehängt werden. Fundusverwalter:innen sind Allrounder:innen, die schnell einen Knopf annähen, sich gut mit Kleiderschädlingen auskennen und manchmal einen 7,5 t-Laster mit Kostümen durch die Gegend fahren (ein LKW-Führerschein ist jedoch keine Voraussetzung). Der Beruf ist also sehr anspruchsvoll, was wird oft verkannt.

Berufsbild

Garderobier:innen oder auch Ankleider:innen genannt, sorgen in erster Linie dafür, dass die Künstler:innen für die Vorstellung ordnungsgemäß angekleidet bzw. während der laufenden Vorstellung umgezogen werden. Das Umziehen muss manchmal in Sekundenschnelle erfolgen. Oft hat ein:e Garderobier:e viele Darsteller:innen gleichzeitig zu betreuen und ist für die Kostüme von verschiedenen Vorstellungen zuständig.

Garderobiere:n sind ebenfalls für die Pflege der ihr anvertrauten Kostüme zuständig und bessert kleinere Schäden selbst aus. Bei größeren Schäden werden die Kostüme rechtzeitig in die Werkstatt zur Reparatur gegeben. Viele Theater gehen auf Gastspiele und kleinere Abstecher, dann muss beim Einpacken der Kostüme an alles gedacht werden, da am Zielort meist keine Werkstätten, Schuhmacher:innen etc. vorhanden sind. Improvisation ist in Notfällen gefragt, wenn auf der Bühne ein Reißverschluss versagt oder eine Rockschleppe einreißt.

In manchen Theatern wird der Beruf Schneider:in und Garderobier:e auch in Personalunion ausgeübt. Die Arbeit in den Garderoben ist abwechslungsreich und nah am Bühnengeschehen, außerdem hat man mit tollen Stoffen und außergewöhnlichen Kleidungsstücken zu tun.

Voraussetzungen

Neben handwerklichem Geschick ist schnelles, bedachtes und umsichtiges Handeln für diesen Beruf absolut notwendig. Einfühlungs- vermögen ist wichtig, denn oft sind die Künstler:innen vor ihren Auftritten nervös. Garderobiere:n müssen diskret sein, stehen die Darsteller:innen doch häufig in Unterwäsche vor ihnen. Sie sollten sich nicht vor verschwitzten Kostümen ekeln und es nicht als Zumutung empfinden, Sänger:innen während einer kurzen Atempause auf der Seitenbühne die Wasserflasche und ein Handtuch zu reichen.

Ausbildung

Einen speziellen Ausbildungsweg gibt es nicht, als beste Voraussetzung für den Beruf gilt eine Ausbildung im Bereich Schneiderhandwerk oder allgemein ein Beruf aus der textilen Branche. Da speziell der Beruf Maßschneider:in immer seltener wird, haben sich die Voraussetzungen für den Einstieg in den Beruf Garderobier:e in den letzten Jahren etwas gewandelt. Bei gutem handwerklichen Geschick und allgemeiner Eignung werden auch berufsfremde Interessent:innen als Garderobiere:n eingestellt. In der Regel kann ein:e fachfremder Mitarbeiter:in nach einigen Jahren Berufserfahrung als Externe:r zur Gesellen-/Abschlussprüfung zugelassen werden.

Berufsbild

Gewandmeister:innen sind für die praktische Umsetzung der Entwürfe der Kostümbildner:innen zuständig. Sie sorgen für die stilgerechte, fachmännische, termingerechte und wirtschaftliche Realisierung der vorgegebenen Entwürfe. Ihre Einsatzorte sind die Kostümateliers der Theater und Fernsehanstalten sowie einschlägige Spezialfirmen.

Als Gewandmeister:in muss man in der Lage sein, skizzierte Entwürfe zu interpretieren und diese in eine Schnittkonstruktion und danach in ein Kostüm umzusetzen, das der szenischen Figur des Stückes, den Absichten der Regie und der Träger:innen des Kostüms gerecht wird. Diese Tätigkeit geht also über ein rein handwerkliches Arbeiten hinaus und berührt immer wieder künstlerische Aspekte. Daher ist ein grundsätzliches künstlerisches Interesse notwendig.

Gewandmeister:innen müssen die unterschiedlichsten schneiderhandwerklichen Techniken beherrschen und ein Gespür für den richtigen Schnitt und die Auswahl des Materials besitzen. Dabei sollten sie nicht nur mit der Art und Herstellung von moderner Kleidung vertraut sein, sondern auch technisch in der Lage sein, historische zu erstellen; dies setzt ein (kunst-)geschichtliches Interesse voraus. Gewandmeister:innen müssen sich mit den damals vorherrschenden Anfertigungstechniken auseinandersetzen und sich dramaturgisch in den Kontext, in dem das Kostüm stehen soll, einfühlen, damit auch einzelne Details stimmig gelingen. Neben dieser künstlerisch-handwerklichen Seite besitzt der Beruf einen hohen organisatorischen Aspekt. Die gesamte Kostümausstattung eines Stückes muss innerhalb eines festgelegten zeitlichen Rahmens gewährleistet werden und die Kosten sollten den veranschlagten Etat nicht überschreiten.

Gewandmeister:innen leiten die Herren- oder Damenschneiderei, in der je nach Größe eines Hauses auch Herren- oder Damenmaßschneider:innen und Zuschneider:innen arbeiten. Wenn Qualifikation, Eignung und Interesse vorhanden sind, kann er:sie auch die Leitung einer ganzen Kostümabteilung übernehmen. Diese umfasst, je nach Größe des Theaters, eine Schuhmacherei, Modisterei (Hutmacherei), Kostümfärberei/-malerei, Rüstmeisterei, Kunstgewerbe, sowie u.U. auch die Kostümmagazinverwaltung und den Garderobenbereich. Darüber hinaus koordinieren sie die Zusammenarbeit zwischen Gast-Kostümbildner:innen und der hauseigenen Schneiderei. Teamführung und Kontaktpflege gehören also auch zur Arbeit.

Voraussetzungen

Die Qualität der Arbeit hängt von drei Faktoren ab: dem handwerklichen Geschick, dem Sinn für das inhaltlich-künstlerische Umfeld und der Fähigkeit zur Organisation und Koordination von allen finanziellen, sachlichen und personellen Bedingungen. Gewand- meister:innen sollten also Fähigkeiten in der Personalführung besitzen. Um zur Ausbildung zugelassen zu werden, wird das Zeugnis der Mittleren Reife bzw. eines gleichwertigen oder höheren Abschlusses verlangt. Hinzu kommt der Gesellenbrief als Damen- oder Herrenmaßschneider:in oder der Facharbeiterbrief der Bekleidungsindustrie. Ferner wird eine Bescheinigung oder ein Zeugnis verlangt über eine ausgeübte Praxis als Gesell:in oder Theaterschneider:innen im Anschluss an die Ausbildung, wobei mindestens ein Jahr davon in einer Theater- oder Kostümwerkstatt absolviert werden muss.

Ausbildung

In Deutschland gibt es derzeit drei Ausbildungsstätten für diesen Beruf. In der Regel dauert die Ausbildung zum:zur Industrienäher:in ein Jahr und die Ausbildung zum:zur Maßschneider:in mit Fachrichtung Herren- oder Damenmaßschneider:in drei Jahre. Einige Theater bilden zudem auch selbst Maßschneider:innen aus.

Am besten fragt man direkt bei den Ausbildungsstätten nach, welche Unterrichtsfächer es gibt und welche Fördermöglichkeiten. Hinsichtlich der Stellenvermittlung von Gewandmeister:innen kann man sich an die ZAV wenden.

Berufsbild

Inspizient:innen koordinieren den gesamten künstlerischen und technischen Ablauf einer Bühnenaufführung. Sie sind somit Bindeglied zwischen Kunst und Technik und haben den Status eines Bühnenvorstands.

Inspizient:innen müssen mit der Inszenierung vertraut sein und sind deshalb bereits bei den Bühnenproben organisatorisch und vermittelnd zwischen Regieteam, Künstler:innen und den verschiedenen technischen Abteilungen tätig. Sie arbeiten, bezogen auf die technischen Abläufe, eng mit den Meister:innen für Veranstaltungstechnik zusammen.

Eine Hauptverantwortung ist das Führen des Inspizient:innenbuches. Hierbei werden alle verabredeten Zeichen und Informationen – sogenannte Cues – in einen Klavierauszug oder ein Textbuch eingetragen. Diese Cues für Auftritte und technische Einsätze werden in Zusammenarbeit mit den künstlerischen und technischen Beschäftigten im Verlauf der Proben festgelegt. Das Inspizient:innenbuch ist die Grundlage für einen verlässlichen und wiederholbaren Ablauf einer jeden Vorstellung.

Hauptarbeitsplatz ist das Inspizient:innenpult, von dem aus der Verlauf der Vorstellung gesteuert wird. Dieses ist mit Monitoren, Sprechverbindungen und optischen Signalanlagen ausgestattet.

Vor einer Vorstellung vergewissern sich Inspizient:innen, dass die Bühne korrekt und sicher eingerichtet ist. Sie regeln durch Einrufe und Klingelzeichen den zeitlichen Ablauf vor der Vorstellung, für die Mitwirkenden, aber auch für das Publikum. Während der Aufführung geben sie anhand des Inspizient:innenbuches – als Verantwortliche für den korrekten Ablauf der Vorstellung – durch Ansagen, Licht- und Handzeichen sämtliche Kommandos an die verschiedenen Abteilungen: Bühnentechnik, Beleuchtung, Requisite, Tonabteilung, oft auch Auftrittszeichen für die Darsteller:innen. Inspizient:innen achten mit den Meister:innen für Veranstaltungstechnik auf die Sicherheit der Abläufe und gemeinsam mit der Abendspielleitung auf die gleich bleibende Qualität der Vorstellung.

Voraussetzungen

Ein Quereinstieg ist aus unterschiedlichen Berufen möglich. Kenntnisse der Arbeitsabläufe auf einer Bühne sind von hoher Bedeutung.

Inspizient:innen brauchen bühnentechnische Kenntnisse sowie Kenntnisse der Arbeitsabläufe in einem Theater, um den technischen Anforderungen des Berufs gerecht zu werden. Darüber hinaus ist ein gewisses Maß an künstlerischem Feingefühl von Vorteil. Musiktheaterinspizient:innen müssen außerdem das Notenlesen beherrschen.

Inspizient:innen benötigen Gelassenheit, um sicher und konzentriert auf Unvorhergesehenes während einer Aufführung reagieren zu können. Sie sollten kommunikativ und belastbar sein und gut mit Menschen umgehen können, sie sollten Vertrauen schaffen, aber auch durchsetzungsstark sein.

Ausbildung

Trotz der hohen Relevanz der Inspizienz für den erfolgreichen Verlauf einer Vorstellung gab es bislang weder eine Aus- noch eine Fortbildung. Eine Fortbildung für Inspizient:innen wird aktuell von der Interessengemeinschaft Veranstaltungswirtschaft (IGVW) im Auftrag des Bühnenvereins und der Deutschen Theatertechnischen Gesellschaft (DTHG) in Zusammenarbeit mit dem Inspizienten-Netzwerk e.V. erarbeitet.

Berufsbild

Intendant:innen – seltener auch Theaterdirektor:innen genannt – leiten ein Theater und damit den künstlerischen, technischen und administrativ/wirtschaftlichen Theaterbetrieb. Die Aufgabe der Intendanz ist es, das künstlerische Gesamtkonzept für Theater und Publikum zu entwickeln und umzusetzen. Dabei sind sie an ein Budget und an Rechtsvorschriften gebunden und müssen die Ziele des Theaterträgers (Kommune oder Bundesland) berücksichtigen. Dazu gehört auch ein regelmäßiger Kontakt zur Politik, um über die Gesamtsituation des Theaters zu informieren. Viele Aufgaben gehören zur Tätigkeit von Intendant:innen – je nach Ausgestaltung der Stelle im jeweiligen Haus.

Im künstlerischen Bereich muss die Intendanz den Spielplan konzipieren und umsetzen. Dazu gehört unter anderem, Künstler:innen und das künstlerisch technische Personal zu engagieren und effizient einzusetzen und zwischen den Sparten, Produktionen, Premieren, Werkstatteinsätze usw. zu koordinieren.

Aufgaben wie Strategieentwicklung oder Organisationsuntersuchungen und finanzielle Pflichten (u.a. Finanzkonzeption, Jahresplanung, Controlling des Etats, gute Auslastungszahlen erzielen, Kooperation mit Sponsoren) kommen hinzu. Intendant:innen kümmern sich um Vertragsabschlüsse, um Vertragsverlängerungen und Nichtverlängerungen, um die Beachtung des Arbeits- und Versicherungsrechts sowie der Bestimmungen des Arbeitsschutzes und der Arbeitssicherheit. Sie müssen in Konfliktsituationen moderieren und nach einer Lösung suchen und in Grundsatzangelegenheiten von künstlerischer und technischer Bedeutung entscheiden. Die Intendanz vertritt die Theaterinteressen in der Öffentlichkeit – unter Beachtung des Repräsentationsrechts des Theaterträgers – und kooperiert mit den Medien.

In großen und Mehrspartentheatern ist die Gesamtleitung gelegentlich einem:r Generalintendant:in übertragen. Es gibt auch das Modell, dass ein:e Intendant:in hauptsächlich den künstlerischen Bereich verantwortet und ein:e Verwaltungsdirektor:in/kaufmännische Geschäftsführung schwerpunktmäßig die anderen Bereiche. In größeren Theatern gibt es neben der Intendanz noch weitere Leitungspositionen mit Führungs- und Entscheidungsverantwortung. So vielfältig die Theaterlandschaft, so unterschiedlich sind auch die Führungsstrukturen der einzelnen Häuser.

Die reine Intendant:innen-Führung ist in den öffentlich getragenen Theatern die Ausnahme. Heute findet man überwiegend Modelle, die die Leitungsaufgaben stärker aufteilen. Dabei bleibt der:die Intendant:in je nach Ausgestaltung im Außenverhältnis mehr oder minder alleinverantwortlich, während jedenfalls im Innenverhältnis die Zustimmung der Verwaltungsdirektion erforderlich ist.

Die Intendanz wird bei der künstlerischen Arbeit von den künstlerischen und technischen Bühnenvorständen (z.B. Dramaturg:in, Spielleiter:in, Schauspieldirektor:in, Generalmusikdirektor:in, Kapellmeister:in, Chordirektor:in, Ballettmeister:in, Bühnenbildner:in oder Ausstattungsleiter:in, Technische:r Direktor:in) unterstützt. In großen Mehrspartentheatern stehen der Intendanz die Schauspiel-, Opern-, Ballett- und Generalmusikdirektion zur Seite, in Verwaltungs-, Finanz- und Wirtschaftsangelegenheiten in der Regel die Verwaltungsdirektion / kaufmännische Geschäftsführung. Je größer das Theater, desto mehr Entscheidungsbefugnisse werden delegiert.

Das große Aufgabengebiet und die damit verbundenen weit reichenden Befugnisse bieten dem:der Intendant:in die Möglichkeit, das künstlerische Konzept zu verwirklichen, mit dem er:sie vom Theaterträger für meist fünf Jahre engagiert wurde. Gleichzeitig trägt er:sie eine hohe Verantwortung, gegenüber allen Beschäftigten, dem Rechtsträger, dem Publikum und nicht zuletzt natürlich der Kunst. Die Intendanz prägt auch die Kultur des Hauses, dazu gehören Kommunikations- und Konfliktlösungskultur sowie Regeln für ein angstfreies und respektvolles Miteinanderarbeiten. An kleineren öffentlichen Bühnen oder Privattheatern ist die Intendanz oft mehr in den täglichen Arbeitsablauf aller Abteilungen eingebunden, da es weniger Leitungs- ebenen gibt.

Die Gage der Intendanz wird frei ausgehandelt und ist abhängig von der Größe eines Hauses, dem Umfang der Aufgaben und der persönlichen Reputation. Viele Intendant:innen lassen sich vertraglich das Recht zusichern, während ihrer Amtszeit auch selbst zu inszenieren, in eingeschränktem Umfang gegebenenfalls auch an fremden Häusern.

Voraussetzungen

Als Intendant:in sollte man klare Vorstellungen darüber haben, welches künstlerische Profil man an einem Theater schaffen kann und möchte, und mit welchen Stücken und Personen dieses Ziel realistisch zu erreichen ist. Außerdem benötigt man ein hohes Maß an Stressresistenz, Entscheidungsfreude und ein herausragendes Verhandlungsgeschick. Kenntnisse im Bühnen- und Musikrecht, sowie betriebswirtschaftliches Know-how sind unabdingbare Voraussetzungen. Ein:e Intendant:in muss sozial und kommunikativ kompetent sein, kritikfähig aber auch durch- setzungsstark, muss Konflikte lösen können – also gute Fähigkeiten in Personalführung haben. Ein großes Netzwerk in der Szene ist nötig. Unabdingbar sind eine gute Kenntnis der Strukturen und praktische Erfahrung am Theater.

Ausbildung

Eine Ausbildung gibt es nicht, allerdings bietet die Universität Zürich einen Weiterbildungs-Studiengang zum Executive Master of Arts Administration an. In München gibt es an der Ludwig-Maximilians-Universität eine einjährige Weiterbildung im Theater- und Musikmanagement. Generell gelten das Studium der Germanistik, der Kunstgeschichte, der Literatur- und der Theaterwissenschaft als gute Grundlage für diesen Beruf. Wer eine Intendanz anstrebt, sollte frühzeitig auf sich aufmerksam machen, Kontakte knüpfen und in Führungspositionen arbeiten, um die eigenen Fähigkeiten beweisen zu können.

Berufsbild

Die meisten Theater haben eine Kommunikations- oder Presseabteilung. Der Aufbau der Abteilung bzw. die Bezeichnung der einzelnen Positionen sind von Haus zu Haus unterschiedlich. Oft gibt es z.B. eine Leitung Kommunikation und/oder eine:n Pressesprecher:in, Pressereferent:innen sowie Assistenzen.

Eine professionelle Kommunikation ist für Theater immens wichtig. Die Hauptarbeit besteht darin, durch kontinuierliche Information den Bekanntheitsgrad des Theaters zu erhöhen und auf den Spielplan aufmerksam zu machen. Genauso wichtig ist es aber, Sympathie und Interesse für das Haus in der Öffentlichkeit aufzubauen. Man muss also viel über die Inszenierungen wissen, aber auch gut im ganzen Haus vernetzt sein. Die Presseabteilung ist Anlaufpunkt für Journalist:innen und gestaltet durch gezielte Kontaktpflege und Vertrauensaufbau bei Medien und anderen Multiplikatoren das Image eines Hauses entscheidend mit. Hierfür müssen Strategien erarbeitet und immer wieder neue Ideen entwickelt werden.

Klassische Aufgaben der Presse- und Öffentlichkeitsarbeit sind die Erstellung und Verbreitung von Presseverteilern, Pressemitteilungen, Pressemappen und Publikationen, die Organisation von Interviews, Pressekonferenzen, Führungen und Informationsveranstaltungen sowie die persönliche Betreuung von Journalist:innen vor Ort. Auch Social Media- Kanäle werden zumeist durch die Presseabteilung gepflegt (vgl. hierzu das gesonderte Berufsbild Online-Kommunikation und Social-Media). In der Presse- und Öffentlichkeitsarbeit übernimmt man – wie viele andere Abteilungen auch – regelmäßig den Abenddienst bei einer Aufführung. Eine besondere Rolle kommt der Presse- und Öffentlichkeitsarbeit zu, wenn außergewöhnliche Vorfälle zu negativen Schlagzeilen (Shitstorm) führen oder das Haus in der Kritik steht. In diesem Fall ist ein professionelles Krisenmanagement unerlässlich.

Das Aufgabengebiet beschränkt sich im besten Fall aber nicht nur auf die externe Kommunikation, auch die hausinterne Kommunikation bedarf einer professionellen Herangehensweise, sind doch Mitarbeiter:innen und deren Angehörige und Freunde ebenfalls wichtige Multiplikatoren. Häufig übernimmt die Presse- und Öffentlichkeitsarbeit auch Aufgaben, die eher in den Marketing-Bereich (siehe auch dort) fallen.

Voraussetzungen

In der Presse- und Öffentlichkeitsarbeit muss man Texte verständlich und flüssig schreiben können. Da der Großteil des Jobs mit Kommunikation nach innen und außen zu tun hat, sollte man kontaktfreudig sein und zielgruppengerichtet arbeiten können. Vor allem in Leitungspositionen muss man strategisch denken und delegieren können, aber auch operativ schnell und genau arbeiten. Netzwerke aufzubauen und Konzepte zu entwickeln sollte jede:r Kommunikator:in beherrschen. Organisationstalent, Schnelligkeit und Flexibilität sind ebenfalls wichtige Qualitäten. An einer Bühne sollte ein zusätzliches Interesse für und fundiertes Wissen über Theater-, Musik- und Kunstgeschichte hinzukommen.

Ausbildung

In der Regel besitzen Kommunikations-Fachleute eine Hochschulausbildung (Geistes- oder Kommunikationswissenschaften, Germanistik, Publizistik, Kultur- und Medienmanagement o.ä.) oder bilden sich im PR-Bereich weiter. Auch viele Journalist:innen wechseln im Laufe der Jahre auf die PR-Seite.

Berufsbild

Konstrukteur:innen erstellen die technische Planung eines Bühnenbildes. Sie entwickeln eine technisch realisierbare Lösung anhand eines CAD-Modells (CAD = computer-aided-design) für den künstlerischen Bühnenbildentwurf, um daraus Konstruktionszeichnungen für die Gewerke der Theaterwerkstatt zu erstellen. Dabei begleiten Konstrukteur:innen den Gesamtprozess vom künstlerischen Modell bis hin zum Aufbau des Bühnenbildes. Dieser Prozess ist sehr abwechslungsreich, da jedes Mal ein neuer Prototyp entsteht und technische Anpassungen am Bühnenbild-Modell vorgenommen werden müssen, ohne dabei die künstlerische Idee zu verändern.

Wenn möglich werden zur Herstellung des Bühnenbilds Standard-Materialien verwendet, ein Großteil wird jedoch speziell als Sonderkonstruktion hergestellt. Hierfür werden Materialien aus der Industrie recherchiert und teilweise für neue Zwecke eingesetzt. Mit Hilfe von Experimenten, Versuchen oder Test-Modellen wird schließlich eine technische Lösung für die Sonderkonstruktion entwickelt.

An manchen Bühnen wird sowohl die technische Planung, als auch das Management von derselben Person übernommen, an anderen Bühnen werden diese beiden Funktionen personell getrennt. Für diese Stellen existieren verschiedene Bezeichnungen, die auch von Theater zu Theater verschieden verwendet werden: Neben Konstrukteur:in und Produktionsleiter:in zum Beispiel Produktionsplaner:in oder Produktionsingenieur:in.

Voraussetzungen

Um die Idee eines Bühnenbildmodells zu verstehen und die erforderlichen Anpassungen im Sinne der künstlerischen Idee technisch umsetzen zu können, ist sowohl ein künstlerisches, als auch ein technisches Verständnis erforderlich. Hierbei ist räumliches Vorstellungsvermögen eine gute Hilfe. Zusätzlich bedarf es technischer Kreativität, um Lösungen für das enorm breite Spektrum an künstlerischen Anforderungen zu finden. Diese Art der Arbeit erfordert ein hohes Maß an Eigenverantwortung. Sowohl die künstlerischen Ideen als auch die technischen Anforderungen und Regelwerke ändern sich stetig und erfordern das Interesse an „Live-Long-Learning“. Abhängig davon, ob das Management in Personalunion übernommen wird, ist ein hohes Maß an kommunikativen Fähigkeiten erforderlich, um eine bestmögliche Abstimmung zwischen den verschiedenen Gewerken zu erreichen. Viele Teams arbeiten international, weshalb gute Englischkenntnisse von Vorteil sind.

Ausbildung

Einige Sonderkonstruktionen im Theater müssen statische Anforderungen erfüllen oder beinhalten speziell hergestellte Maschinen. Sie erfordern somit die technische Planung auf Grundlage eines Ingenieurstudiums. Der Studiengang „Theater- und Veranstaltungstechnik und -management“ an der Beuth Hochschule für Technik Berlin wurde speziell eingerichtet, um Konstruierende für das Theater auszubilden. Er vereint die Bereiche Maschinenbau, Bauingenieurwesen und Kunst in einem Ingenieursstudium. Bei Interesse besteht die Möglichkeit, sein Wissen in einem entsprechenden Master zu vertiefen.

Ein Quereinstieg aus den Bereichen Maschinenbau, Bauingenieurwesen oder auch Architektur ist möglich, wenn das Interesse an künstlerischen Prozessen besteht.

Berufsbild

Kostümbildner:innen entwerfen die Kostüme und zumeist auch die Masken für eine Inszenierung und setzen diese in Abstimmung mit Bühnenbildner:innen, Regisseur:innen, Dramaturg:innen und Maskenbildner:innen um. In der Fertigstellung arbeiten sie eng mit Gewandmeister:innen zusammen, welche die Entwürfe praktisch umsetzen. In kleineren Theatern sind fest angestellte Kostümbildner:innen häufig auch die Leiter:innen der Kostümabteilung bzw. manchmal als Gewandmeister:innen in Personalunion tätig. Kostümbildner:innen arbeiten überwiegend freiberuflich, seltener im Angestelltenverhältnis. Da freiberufliche Kostümbildner:innen oft produktionsbezogen beschäftigt werden, sind an fast allen Theatern Kostümbildassistent:innen fest angestellt. Diese vermitteln mit den entsprechenden Kenntnissen der internen Gegebenheiten zwischen den freiberuflichen Kostümbildner:innen und dem Theater.

Voraussetzungen

Die wichtigste Voraussetzung für diesen Beruf ist Fantasie und Kreativität. Kostümbildner:innen müssen aufgrund eines Textes und den Ideen der Regie Kostüme entwerfen, die sich harmonisch in das gesamte Umfeld einer Inszenierung einpassen. Farbe, Form und Stoff müssen zum Text, zur Inszenierungsidee, zum Bühnenbild und nicht zuletzt zum Körperbau der Darsteller:innen passen. Kostümbildner:innen müssen sich sowohl in abstrakte als auch in realistische oder fantastische Szenarien hineinversetzen können. Ihre Ideen sollten sie anschaulich zeichnerisch darstellen können, damit sich alle am Produktionsprozess Beteiligten ein Bild davon machen können. Dabei sollten sie über ein ausgeprägtes Wissen in Kulturgeschichte und in Stil- und Materialkunde verfügen. Auch einschlägige handwerkliche Fähigkeiten sind von Vorteil.

Formal bestehen keine festgeschriebenen Voraussetzungen für diesen Beruf. Der Erwerb der Gesellenprüfung im Schneiderhandwerk ist jedoch zu empfehlen. Die Prüfung zum Gewandmeister:in oder ein Studium zum Kostümbildner:in erhöhen die Einstellungschancen beträchtlich. Auch eine Ausbildung in Mode- oder Kostümdesign ist eine Basis.

Ausbildung

In der Regel erfolgt die Ausbildung über ein vier bis fünfjähriges Studium in einer Fachklasse für Bühnen- und Kostümbildner:innen respektive für Kostümgestalter:innen. Inhalte sind beispielsweise Kostüm- und Schnittkunde, Dramaturgie und Training der Fähigkeiten zur visuellen Wahrnehmung. Theater und Firmen, die zum Schneidergesellen ausbilden, können u.a. bei der lokalen Schneiderinnung erfragt werden

Berufsbild

Farben schaffen Atmosphären auf der Bühne, Farben können aber auch im Kostüm Personen und Rollen in hervorragender Weise charakterisieren. Der Beruf Kostümfärber:in oder Kostümmaler:in muss am Theater eher von der handwerklichen als von der industriellen Seite betrachtet werden.

Die Stoffe sind oft empfindlich oder sehr kostbar und vertragen kein häufiges Färben und Entfärben. Nicht selten müssen Druckschablonen für Stoffdrucke erstellt oder Stoffe freihändig nach Vorlage bemalt werden, auch mit Air-Brush werden sehr häufig textile Materialien bearbeitet. Zu den Arbeiten gehören auch das kunstvolle „Verdrecken“ und künstliche „Altern“ von Kostümen, Accessoires und Kopfbedeckungen sowie von Schuhen und Stiefeln.

Voraussetzungen und Ausbildung

Die wichtigste Voraussetzung für diesen Beruf ist Fantasie und Kreativität. Kostümfärber:innen sollten ein besonderes Gefühl für Farben und die Geduld mitbringen, punktgenau nach Farbmuster Stoffe oder Schuhe zu färben oder zu bemalen. Kleinste Abweichungen vom vorgegebenen Muster in der Farbe können eine Farbe im Bühnenlicht vollkommen anders erscheinen lassen als vorgesehen. Gute Färber:innen müssen dies bereits im Vorfeld bemerken.

Dabei sollten sie über ein ausgeprägtes Wissen in Kulturgeschichte und in Stil- und Materialkunde verfügen. Auch einschlägige handwerkliche Fähigkeiten sind von Vorteil. Formal bestehen keine festgeschriebenen Voraussetzungen für diesen Beruf. Der Erwerb der Gesellenprüfung im Schneiderhandwerk ist jedoch zu empfehlen. Die Prüfung zum Gewandmeister:in oder ein Studium zum Kostümbildner:in erhöhen die Einstellungschancen beträchtlich. Auch eine Ausbildung in Mode- oder Kostümdesign ist eine Basis.

Berufsbild

In Theatern arbeiten Maler:innen und Lackierer:innen in der Hausinstandhaltung. Ihre Aufgabe ist es, die stark genutzten Immobilien des Kunstbetriebes als Haushandwerker:innen auf „Vordermann“ zu bringen. Als Veranstaltungshandwerker:innen kümmern sie sich neben dem Auf- und Abbau von Dekorationen und der Proben- und Vorstellungsbetreuung um malerische Anforderungen im Bühnenbetrieb, z. B. bei farblichen Ausbesserungsarbeiten an Dekorationen und Bühnenelementen. Im Dekorationsbau kann die Expertise als Ergänzung zur Theatermaler:in bei hochwertigen Lackierarbeiten und Beschichtungen gefragt sein.

Der Handwerksberuf bietet grundsätzlich drei Fachrichtungen zur Auswahl:

1. Bei „Gestaltung und Instandhaltung“ liegt der (Ausbildungs-)Schwerpunkt beim Gestalten von Innenräumen und Fassaden, dem Verlegen von Bodenbelägen und der Bearbeitung von Wänden mit verschiedenen Maltechniken, Tapeten oder Dekorputzen.
2. Daneben gibt es die Fachrichtungen „Kirchenmalerei und Denkmalpflege“
3. sowie „Bauten- und Korrosionsschutz“, deren besondere Qualitäten im Theater eher in speziellen Anwendungsfällen zum Einsatz kommen.

Hier handelt es sich nicht um den Beruf der Bühnenmalerei.

Voraussetzungen

Handwerkliches Geschick, Geduld und genaues Arbeiten sind wesentliche Elemente des Berufs, da oft unter relativ großem Zeitdruck eine exakte Arbeit abgeliefert werden muss. Die Arbeit als Handwerker:in am Theater bietet einen Spielraum zur Beratung bei Gestaltungsfragen, weshalb hier ein gutes Gefühl für Ästhetik und Farben vorhanden sein sollte.

Ausbildung

Die Ausbildung dauert drei Jahre und schließt mit einer Prüfung vor der Handwerkskammer ab. Da Maler:innen als Veranstaltungshandwerker: innen neben ihrer handwerklichen Kernkompetenz auch übergreifend in der Veranstaltungstechnik mitarbeiten, sollte man sich durch begleitete Praktika mit der neuen Arbeitsumgebung vertraut machen. Ein Kurs wie z. B. „Basiswissen Veranstaltungstechnik“, wie er von einschlägigen Fortbildungsinstituten angeboten wird, dient dazu, auch rechtliche Rahmenbedingungen der Arbeit in der Veranstaltungstechnik kennenzulernen. Auch für Maler:innen und Lackierer:innen gilt die Maxime des lebenslangen Lernens, da in ihrem Fachgebiet die Entwicklung stets weitergeht.

Berufsbild

Das Marketing prägt das öffentliche Bild eines Theaters oder Orchesters entscheidend mit. Ziel ist es, das Haus und sein Programm beim Publikum, aber auch bei Politik, Verbänden, Kulturinstitutionen oder der Stadtgesellschaft bekannt zu machen und Besucher:innen zu gewinnen. Marketing-Fachleute machen also Werbung im klassischen Sinne, indem sie Plakate, Citylights, Programmhefte, Spielpläne, Prospekte, Postkarten oder Anzeigen produzieren.

Mit der Dramaturgie bespricht das Marketing die Inhalte und stimmen mit Grafikagenturen das Design und die Herstellung ab. Sie sind aber auch für das Image des Hauses (mit-)verantwortlich. In Absprache mit der Intendanz entwickeln sie das Corporate Design und sorgen so für ein unverwechselbares Profil eines Hauses. In den Aufgabenbereich des Marketing fallen häufig auch das Design und die Programmierung der Webseite.

In den letzten Jahren haben sich die Ansprüche an das Marketing geändert. Das hat mit Strukturänderungen in den Häusern und den einzelnen Abteilungen zu tun, aber auch mit neuen Aufgabengebieten, vor allem im digitalen Bereich. Oft werden die Aufgaben der Abteilung für Presse- und Öffentlichkeitsarbeit zugeordnet. Dabei ist die Leitung für die grundsätzliche Linie und die Absprachen mit der Intendanz verantwortlich, wohingegen Marketingreferent:innen die täglichen Abläufe koordinieren. Sie sind für Anzeigenschaltungen, Stände auf Theaterfesten und Märkten, für die Druckprodukte des Hauses, Plakathängungen und ähnliche Distributionsaktivitäten zuständig.

An einigen Häusern gehört zum Marketingbereich noch der Vertrieb. Bei dieser Schnittstelle zur Theaterkasse werden Strategien zur Gewinnung von Großkunden, die für die unterschiedlichsten Gruppen eine hohe Anzahl Tickets beziehen, umgesetzt.

In letzter Zeit hat der Online-Bereich immer größere Bedeutung bekommen. Auch hier kommt es zu Überschneidungen zwischen Marketingaufgaben – z.B. Präsentation von Trailern und Stückinhalten oder Anzeigen auf Online-Plattformen – und der PR- bzw. Öffentlichkeitsarbeit, wenn es zum Beispiel um die Betreuung einer Community in den Sozialen Medien geht. Inzwischen gibt es für diesen Bereich immer mehr Verantwortliche für Online-Kommunikation an den Häusern.

Voraussetzungen

Im Marketing kommt es sowohl auf strategisches Denken als auch auf Umsetzungsstärke und Organisationstalent an. Kreativität und Ideenreichtum sind gefragt, um zum Beispiel gemeinsam mit Design-Agenturen Konzepte zu entwickeln und Realität werden zu lassen. Dabei darf die Publikumsorientierung nicht aus den Augen gelassen werden, auch wenn es oft von Seiten der Dramaturgie oder der künstlerischen Leitung andere Vorstellungen gibt. Die dafür nötigen Abstimmungsprozesse mit anderen Abteilungen verlangen gute kommunikative Fähigkeiten und lösungs- und teamorientiertes Arbeiten. Ein grafisches Verständnis darf nicht fehlen, denn die Gestaltung der Print- und Online-Produkte eines Hauses hat einen großen Einfluss auf sein Image.

Genauso sind ein gutes Textverständnis und ein guter Schreibstil notwendig, um den richtigen Ton für die Ansprache des Publikums zu finden. Im Marketing geht es auch oft darum, mit relativ kleinen Etats möglichst originelle Marketing-Strategien umzusetzen. Daher kann Praxiserfahrung in der Zusammenarbeit mit Agenturen und im Bereich des Projektmanagements hilfreich sein.

Ausbildung

Marketing und PR-Arbeit sind seit langer Zeit anerkannte Studienrichtungen, die aber häufig auf Karrieren im kommerziellen oder gesellschaftspolitischen Bereich vorbereiten. Marketing-Fachleute im Kulturbereich haben daher oft Theater- oder Kunst- bzw. Kulturwissenschaft, eine Geisteswissenschaft, Germanistik oder Journalismus studiert und Marketingkenntnisse auf dem Weiterbildungsweg erworben. Auch ein Kulturmanagement-Studium, zu dem immer auch Marketingmodule gehören, ist eine Grundlage. Manche dieser Studiengänge, besonders im Master-Bereich, haben auch einen Schwerpunkt im Marketing. Am wichtigsten ist aber die Praxiserfahrung. Ein frühes Praktikum kann dabei helfen, ein Gefühl für den Bereich zu bekommen und Kontakte zu knüpfen.

Der Fachverband Kulturmanagement führt auf seiner Webseite zahlreiche Kulturmanagement-Studiengänge auf.

Berufsbild

Als Maßschneider:in fertigt man Kostüme für Inszenierungen. Es gibt zwei Bereiche: Damen und Herren. Als Maßschneider:in mit Fachrichtung Herren oder Damen fertigt man unter Anleitung der Gewandmeister:innen die Kostüme an, die von Kostümbildner:innen für eine Inszenierung entworfen werden.

Maßschneider:innen müssen in besonderem Maße auch historische Bekleidung, Unterkleidung, Corsagen, Ballettkleidung, Fantasie- und Tierkostüme verschiedener Stilrichtungen anfertigen können. Im Abenddienst bei Vorstellungen helfen sie als Ankleider:innen hinter der Bühne den Darsteller:innen beim An- und Umkleiden und führen kleinere Reparaturen und Änderungen durch. Darüber hinaus sind Schneider:innen im Abenddienst mit der Verwaltung und der Instandhaltung der Repertoirekostüme betraut.

Voraussetzungen

Wer den Beruf Maßschneider:in mit Fachrichtung Herren oder Damen erlernen möchte, sollte großes handwerkliches Geschick, Geduld und eine ausgeprägte Lernbereitschaft mitbringen, um sich immer wieder auf unbekannte und ungewöhnliche Entwürfe und Materialvorstellungen von Kostümbildner:innen einstellen zu können.

Ausbildung

Um in einem Theateratelier tätig zu werden, benötigt man in der Regel eine Ausbildung zum:zur Maßschneider:in mit Fachrichtung Herren oder Damen. Ausbildungsplätze gibt es sowohl am Theater als auch im Handwerk nur in begrenztem Umfang. Die Namen der Betriebe und Theater, die Schneidergesell:innen ausbilden, können u.a. bei der zuständigen Schneiderinnung erfragt werden. Wer sich nach Abschluss seiner Lehre im Handwerk auf den Theaterbereich vorbereiten möchte, kann seine Kenntnisse durch eine einjährige Fortbildung an der Zürcher modeco vervollkommnen.

Berufsbild

Maschinist:innen sind Spezialist:innen der Bühnentechnik. Ihre tägliche Aufgabe ist es die Computer gesteuerten Anlage der Maschinentechnik für Proben und Vorstellungen einzurichten und zu programmieren.

Viele Spielstätten sind mit einer Maschinentechnik aus elektrischen Antrieben ausgestattet, die die technische Grundlage für viele der künstlerisch-technischen Vorgänge ist. Mit elektrischen Antrieben können schwere Dekorationsteile und Bühnenbilder mit teilweise hohen Geschwindigkeiten bewegt werden. Maschinist:innen sind für die zuverlässige Bedienung der Maschinentechnik sowie für die Unterstützung von Wartungs- und Instandhaltungsarbeiten in diesem Bereich zuständig. Darüber hinaus entwickeln sie technische und elektrotechnische Sonderlösungen mit. Maschinist:innen betreuen die Vorstellungen nach Plan unter Anweisung der Bühnenmeister:innen und auf Zeichen der Inspizient:innen. Sie koordinieren selbstständig die Abläufe im gesamten Bühnenbereich bei Auf- und Abbauten.

Voraussetzungen

Die wichtigste Voraussetzung als Maschinist:in ist eine ausgeprägte Sensibilität für Sicherheit und ein hohes Verantwortungsbewusstsein, da man u.a. schwere Lasten über Menschen oder sogar Menschen selbst mit eventuell hohen Geschwindigkeiten bewegt. Erforderlich ist eine schnelle Auffassungsgabe zum Verständnis des künstlerisch-technischen Betriebes eines Theaters mit komplexer Technik. Außerdem sollte man in der Lage sein, auch unter schwierigsten Bedingungen die Übersicht zu behalten, Entscheidungen zu treffen und sich durchzusetzen.

Ausbildung

Die Voraussetzung für den Einsatz als Maschinist:in ist in den Häusern unterschiedlich festgelegt. Eine direkte Ausbildung gibt es nicht, jedoch ist eine Ausbildung als Fachkraft für Veranstaltungstechnik, als Elektriker:in in den verschiedenen Ausrichtungen, als Mechatroniker:in oder in theaterspezifischen Handwerksberufen mit mehrjähriger Berufserfahrung förderlich.

Berufsbild

Maskenbildner:innen haben ein breites und kreatives Arbeitsgebiet, in dem sie Gesichter, Körper und Haare (um-)gestalten. Sie schminken Gesichter und Körper, gestalten Frisuren und stellen Masken her bzw. Körperbehaarung und physiognomische Spezialeffekte.

Dabei ist jeweils genau zu unterscheiden, für welches Anforderungsprofil die Maske erstellt werden muss: Tänzer:innen, Schauspieler:innen und Sänger:innen haben unterschiedliche Bedürfnisse beim Einsatz auf der Bühne. Zudem fokussiert das Auge einer Filmkamera in Nahaufnahme andere Dinge als das Bühnenlicht einer Opernbühne.

Die Maskenbildabteilung eines mittelgroßen deutschen Theaters besteht aus einem:r Chefmaskenbildner:in, einem:r Stellvertreter:in und mehreren Mitarbeiter:innen. Bei Fernseh- oder Filmproduktionen werden Maskenbildner:innen je nach der Größe der Ausstattung als freie Beschäftigte engagiert. Innerhalb des Produktionsprozesses sind verantwortliche Maskenbildner:innen voll in das künstlerische Geschehen integriert und tragen als Teil des Produktionsteams zum Inszenierungskonzept bei. Gemeinsam mit den Kostümbildner:innen stimmen sie, die Figurenkonzeption ab; mit den Lichtgestalter:innen sprechen sie die Farbgebung ab.

Die maskenbildnerische Arbeit unterstützt und vervollständigt somit das Erscheinungsbild der Darsteller:innen. Analytische Stücklektüre, eine umfassende kulturelle Bildung sowie die Kenntnis des aktuellen ästhetischen Diskurses gehören ebenso selbstverständlich zu den erforderlichen Fähigkeiten wie das Entwickeln von Umsetzungsmöglichkeiten des abgesprochenen Figurenkonzepts. Hierbei müssen kreative Lösungen unter praktischen Rahmenbedingungen gefunden werden. Zeitrahmen und Kostenfaktor, individuelle Voraussetzungen der Darsteller:innen und die Zielsetzung des Gesamtkonzepts sind in der Praxis von Theater und Film elementare Bestandteile des Arbeitsprozesses, die immer berücksichtigt werden müssen.

Voraussetzungen

Eine wichtige Voraussetzung für Maskenbildner:innen ist ein großes Interesse an Theater, Film oder Fernsehen. Hinzu kommen Kreativität und Ästhetik, künstlerische Überzeugungs- und Ausdruckskraft sowie handwerkliches Geschick. Kontakt- und Anpassungsfähigkeit und ein sensibler Umgang mit Künstler:innen erleichtern die Arbeit.

Wichtig sind auch körperliche Belastbarkeit, Flexibilität bei Arbeitszeiten und Teamfähigkeit. Eine differenzierte ästhetische Wahrnehmung sowie eine handwerklich-künstlerische Ausdrucksfähigkeit werden für den Beruf vorausgesetzt.

Maskenbildner:innen in Deutschland müssen (anders in den USA und den meisten westeuropäischen Nachbarländern, wo die Aufgabenbereiche Maskenbau, Haargestaltung und Make-up von verschiedenen Fachleuten ausgeführt werden) alle berufsbezogenen Aufgabenbereiche beherrschen und sowohl in der Haargestaltung als auch in der Make-up-Technik und dem Maskenbau profunde Kenntnisse besitzen. Auf diese Weise ist es ihnen möglich, eine umfassende maskenbildnerische Figurengestaltung in Theater und Film zu entwickeln.

Ausbildung

In Deutschland gibt es verschiedene Möglichkeiten, sich im maskenbildnerischen Bereich professionell zu qualifizieren. Seit 2002 ist der Beruf Maskenbildner:in staatlich anerkannt. 2004 wurde an der Hochschule für Musik und Theater München in Kooperation mit der Theaterakademie August Everding der Studiengang Maskenbild – Theater und Film (BA./MA.) entwickelt. An der Hochschule der Bildenden Künste Dresden wird seit den 60er Jahren das Fachhochschulstudium Maskenbild angeboten. Im Rahmen einer dreijährigen Lehre wird unter dem Dach der IHK (Industrie- und Handelskammer) an Staats- und Stadttheatern und öffentlichen Rundfunkanstalten ausgebildet.

Verschiedene Privatschulen bieten die Ausbildung zum:zur Maskenbildner:in in ein- bis dreijährigen Kursen an. Teilweise ist für die Aufnahme an einer privaten Schule nicht in erster Linie die künstlerische und handwerkliche Begabung entscheidend, sondern die finanzielle Situation der Auszubildenden.

Berufsbild

Meister:in für Veranstaltungstechnik am Theater ist eine moderne Weiterentwicklung der klassischen Berufe Bühnenmeister:in oder Beleuchtungsmeister:in. Als Meister:in für Veranstaltungstechnik ist man auf eines dieser beiden Tätigkeitsfelder spezialisiert.

Bühnenmeister:innen kümmern sich um den reibungslosen Ablauf notwendiger Umbauten und Veränderungen auf der Bühne; sie sorgen für die ordnungs- und termingerechte Einrichtung der Dekoration für Proben und Aufführungen und überwachen die Einhaltung bestehender Sicherheitsvorschriften. Bühnenmeister:innen überprüfen, dass alle Vorgaben und Ausführungen eingehalten werden und technisch wie finanziell realisierbar sind und machen gegebenenfalls Änderungsvorschläge. Immer öfter arbeiten sie nicht nur im klassischen Theatersaal, sondern auch in anderen Räumlichkeiten, in denen Veranstaltungen stattfinden. An Theatern sind Meister:innen für Veranstaltungstechnik Führungskräfte mit Personalverantwortung.

Beleuchtungsmeister:innen bedienen und überprüfen alle beleuchtungstechnischen Anlagen; sie sorgen für die ordnungs- und termingerechte Einrichtung der Beleuchtung für Proben und Aufführungen und achten auf einen reibungslosen Ablauf der beabsichtigten Lichtstimmungen. Sie überprüfen, dass alle Vorgaben und Ausführungen eingehalten werden und technisch wie finanziell realisierbar sind und machen gegebenenfalls Änderungsvorschläge. Bei Neueinrichtungen arbeiten sie eng mit Bühnenbildner:innen, Regisseur:innen und der Technischen Direktion zusammen, wobei sie Vorschläge erarbeiten, vorbereiten und umsetzen.

Im modernen Theater ist Beleuchtung weit mehr als bloße Technik: sie stellt ein künstlerisches Gestaltungselement dar, das wesentlich zum Gelingen und zum Charakter einer Inszenierung beiträgt. Daher werden Beleuchtungsmeister:innen frühzeitig von Regisseur:in und Bühnenbildner:in zu Rate gezogen und mit den künstlerischen Absichten vertraut gemacht. In der Beleuchtungsabteilung eines Theaters arbeiten je nach Größe mehrere Meister:innen und Beleuchter:innen. Der:Die Obermeister:in als Leiter:in der Abteilung koordiniert sämtliche Beschäftigte, überwacht die Einhaltung der Dienstpläne und kümmert sich um die Wartung, Instandhaltung und Erneuerung aller beleuchtungstechnischen Geräte. Den vorgegebenen Etat verwaltet er:sie nach Absprache mit der Technischen Direktion zuweilen eigenständig.

In den letzten Jahren ist die Lichttechnik enorm vorangeschritten. Aufgrund der den damit verbundenen künstlerischen Möglichkeiten hat sich der Beruf Lichtgestalter:in oder Lichtdesigner:in entwickelt. Lichtgestalter:innen bringen neben technischen Voraussetzungen und viel Praxiserfahrung am Theater theoretisches und praktisches Wissen für den künstlerischen Ausdruck und die ästhetische Wirkung von Licht in eine Theaterinszenierung mit ein. Sie besitzen ein hohes Maß an technischer, kreativer und ästhetischer Kompetenz, um die Intention der Autor:innen, Komponist:innen oder Regisseur:innen zu unterstützen und zur Geltung zu bringen.

Voraussetzungen

Wer Meister:in für Veranstaltungstechnik werden möchte, sollte neben einschlägigen technischen Fertigkeiten auch Eigenschaften wie Organisationstalent, Zuverlässigkeit, Einsatzbereitschaft, Genauigkeit, Führungsqualitäten, Durchsetzungsvermögen sowie eine gute Allgemeinbildung mitbringen. Grundkenntnisse in Mathematik, Mechanik und Elektrotechnik werden vorausgesetzt und sollten gegebenenfalls in entsprechenden Kursen aufgefrischt werden. Grundsätzlich gelten diese Voraussetzungen für alle Ausbildungseinrichtungen, Unterschiede sind jedoch möglich und müssen im Einzelfall erfragt werden. Wer ein Studium absolviert hat, braucht weniger Berufspraxis als jemand, der eine Ausbildung abgeschlossen hat.

Für den Fachhochschul-Studiengang Diplom-Ingenieur:in Theater- und Veranstaltungstechnik benötigt man einen Nachweis der Fachhochschulreife. Zur Meisterprüfung kann sich anmelden, wer mindestens 25 Jahre alt ist und einen der folgenden Abschlüsse besitzt: Abschluss einer Technischen Hochschule in einem Bau-, Maschinenbau- oder Elektroberuf und mindestens ein Jahr praktische Erfahrung in einem bühnentechnischen Beruf; Fachhochschulabschluss in einem Bau-, Maschinenbau- oder Elektroberuf und mindestens zwei Jahre praktische Erfahrung in einem bühnentechnischen Beruf;

Gesellen- oder Facharbeiterprüfung in einem einschlägigen Lehrberuf des Handwerks oder der Industrie und mindestens vier Jahre praktische Erfahrung in einem bühnentechnischen Beruf.

Für die staatlich anerkannte Fortbildung „Meister:in für Veranstaltungstechnik“ benötigt man eine erfolgreiche Abschlussprüfung in einem anerkannten, einschlägigen Ausbildungsberuf mit zweijähriger Berufspraxis.

Ausbildung

Für die Fortbildung zum:zur Meister:in für Veranstaltungstechnik gibt es keinen Bildungsweg im eigentlichen Sinne; für den Erwerb der notwendigen Kenntnisse für die Meisterprüfung ist jede:r Interessent:in selbst verantwortlich. Notwendig ist allerdings die nach der Fortbildungsverordnung festgelegte Abschlussprüfung. Für den Beruf am Theater wird empfohlen, die Prüfung nach der alten Verordnung in den Fachrichtungen Bühne/Studio, Beleuchtung, Halle abzulegen. Um sich ausseichend auf die Prüfung vorzubereiten, ist es sinnvoll, einen der Weiterbildungslehrgänge zu besuchen. Die Weiterbildung kann in 12 bis 14 Monaten absolviert werden. Unterbrechungen für einen Einsatz in der Praxis sind möglich. Sie umfasst im Wesentlichen die Bereiche Mathematik und Naturwissenschaften, technische Kommunikation, Light-Design, Betriebstechnik, Gesundheitsschutz, Arbeitssicherheit, Brandschutz, Bauordnungsrecht, Betriebs- und Volkswirtschaftslehre, Recht, Ausbildungsplanung und -durchführung, Gruppen anleiten und Zusammenarbeit im Betrieb. In zwei Vollzeitblöcken wird theoretisches Fachwissen vermittelt: Sicherheitsbestimmungen, Arbeits- und Gewerberecht, Organisation, technisches und künstlerische Fragen. Eine frühzeitige Anmeldung ist aufgrund des hohen Interesses sehr zu empfehlen.

Das Studium Veranstaltungstechnik- und Management bzw. Theatertechnik dauert rund vier Jahre und umfasst im Wesentlichen die Bereiche Mathematik, Maschinenelemente, Elektrotechnik, Hydraulik, Fördertechnik, Betriebswirtschaftslehre, Arbeitsrecht, Personalführung, Theatertechnik, Szenografie, Bautechnik, Baurecht, Theatergeschichte und Dramaturgie.

Berufsbild

Modist:innen (Hutmacher:innen) findet man zumeist nur an großen Bühnen. Es handelt sich dabei um einen eher seltenen Ausbildungsberuf, da die Menschen im Privatleben nicht sehr oft individuell angefertigte Hüte tragen.

Im Theater sind Kopfbedeckungen allerdings nicht wegzudenken: Vom traditionellen Herrenhut und dem Zylinder, über fantasievolle, hauchdünne Damenhutkreationen bis hin zu feinen, handgefertigten Blüten für einen Blumenhaarkranz müssen Modist:innen in der Lage sein, alles anzufertigen, was als Entwurf bei ihnen landet.

Die Vielfalt ist groß und die zur Fertigung zu verwendenden Materialien ebenfalls. Traditionell werden Filz, Stroh und Tuch verarbeitet. Dekoriert wird mit Blüten, Federn, Tüll, Schleiern und vielem mehr. Daneben werden auch aus eher untypischen Materialien Hüte kreiert. Modist:innen übernehmen ebenfalls die Reparatur, die Pflege und die Aufarbeitung von Hüten und Kopfbedeckungen.

Voraussetzungen

Um an einem Theater tätig zu werden, sollte man über eine besondere künstlerische Kreativität verfügen und ein gutes Auge für Farben und Formen besitzen. Für diesen Beruf benötigt man ein Interesse an Mode und Modetrends. Außerdem sollte ein gewisses zeichnerisches Können und handwerkliches Geschick vorhanden sein. Für die Anfertigung von und die Arbeit nach Zeichnungen benötigen Modist:innen ein räumliches Vorstellungsvermögen. Zudem sollte man, wie bei fast allen Berufen in den Kostümwerkstätten, über ein gutes Wissen in Kostüm-, Mode-, und Kunstgeschichte verfügen.

Ausbildung

Modist:in ist ein anerkannter Ausbildungsberuf nach dem Berufsbildungsgesetz. Die Ausbildung dauert drei Jahre und wird nach dem dualen Ausbildungssystem vollzogen, d.h. parallel in der Berufsschule und im Betrieb. Während der Ausbildung beschäftigt man sich mit Inhalten wie Modellentwurf, Anfertigung von Schnittmustern für Hüte und Mützen und textiler Warenkunde. Viele Modist:innen machen sich selbstständig, nachdem sie den Meistertitel erworben haben. Dies ist oft erst nach der Gesellenprüfung und zwei Jahren Berufserfahrung möglich.

Berufsbild

Musicaldarsteller:innen verkörpern Bühnenrollen nicht nur schauspielerisch, sie müssen auch in der Lage sein, auf hohem Niveau gleichzeitig zu singen und zu tanzen.

Sprechtheater, Tanztheater und Musiktheater verschmelzen hier zu einer anspruchsvollen Symbiose. Was in der Produktion oft locker und leicht rüberkommt, ist das Resultat langer harter Arbeit an den körperlichen und künstlerischen Fähigkeiten. Neben dem Talent des Individuums (Solist:in) ist im Musical auch die Eignung zur verlässlichen, teils synchronen Gruppenarbeit (Ensemble) gefragt.

Dabei folgt das Musical im Gegensatz zu anderen Genres der darstellenden Künste fast ausschließlich kommerziellen Kriterien und gehört ursprünglich in die Tradition des Volkstheaters. In Deutschland hat das Musical neben den Großproduktionen längst auch in die Staats- und Stadttheater Einzug gehalten. Das Berufsfeld Musicaldarsteller:in ist vielfältig, da es unterschiedliche künstlerische Richtungen und Zielgruppen bedient.

Voraussetzungen

Musicaldarsteller:innen benötigen nicht nur Talent: hohes Engagement, Leidenschaft und Durchhaltevermögen verhelfen ihnen dazu, ihre Anlagen optimal zu entwickeln. Um in die gezielte Berufsausbildung einzusteigen, sind fundierte Vorkenntnisse in Musik (Gesang, Notenkunde) und Tanz nötig. Außerdem verlangt dieser anspruchsvolle Beruf von seinen Darsteller:innen eine starke physische und mentale Fitness. Die gesundheitliche Tauglichkeit muss an vielen Ausbildungsstätten mittels eines ärztlichen Attests nachgewiesen werden. Alle öffentlichen und die meisten privaten Musicalschulen führen mehrtägige umfangreiche Aufnahmeprüfungen durch.

Ziel dabei ist, die künstlerische Eignung und die langfristige Motivation der Bewerber:- innen sicherzustellen. Angesichts der ständig wandernden und wechselnden Produktionen sollten Musicaldarsteller:innen Freude an räumlicher und zeitlicher Flexibilität und die Bereitschaft zur regelmäßigen Suche nach neuen Engagements mitbringen.

Ausbildung

Staatliche Ausbildungsstätten wie die Theaterakademie „August Everding“ in München, die Hochschule der Künste in Berlin, die Folkwang Universität der Künste in Essen und die Osnabrücker Hochschule bieten mittlerweile den Erwerb eines Bachelor- oder sogar Masterabschlusses zum:zur  Musicaldarsteller:in an. Daneben finden sich zahlreiche Privatschulen mit ihren jeweiligen Ausbildungsangeboten. Ob staatlich oder privat: viele der genannten Schulen bieten Schnuppertage und Orientierungskurse an. Es empfiehlt sich für alle Musicalbegeisterten, sich sorgfältig über die Programme und Schwerpunkte der unterschiedlichen Ausbildungsstätten zu informieren, um sich dann gezielt für die Ausbildung bewerben zu können.

Berufsbild

Notenbibliothekar:innen arbeiten sowohl im Musiktheater als auch in selbstständigen Konzertorchestern. Im Theater sind sie in der Regel der Abteilung Orchestermanagement angeschlossen, betreuen aber die Notenangelegenheiten des gesamten Theaterbetriebes (von Dirigent:innen, Solist:innen, Dramaturgie, Korrepetitor:innen, Orchester, Chor).

Zu ihren Aufgaben gehören die Recherche, die Bestellung und sonstige Abwicklung von Notenmaterialien mit Notenverlagen, das theaterinterne Handling sowie die Archivierung und allgmeine Bürotätigkeiten. Notenbibliothekar:innen bearbeiten teilweise das Notenmaterial in enger Abstimmung mit den Dirigent:innen, der Dramaturgie und dem Orchester. Sie richten die Noten für Proben, Vorstellungen und Konzerte ein und werden dabei meist von den Orchesterwart:in unterstützt. In Konzertorchestern haben Bibliothekar:innen ähnliche Aufgaben. Die Arbeitszeiten sind nicht nur tagsüber, sondern orientieren sich auch an Dienstplan und Einsatz des Orchesters, das oft abends spielt.

Voraussetzungen

Als Notenbibliothekar:in benötigt man einerseits künstlerische und musikwissenschaftliche Fähigkeiten, andererseits betriebswirtschaftliche und insbesondere auch rechtliche Kenntnisse (z.B. Urheberrecht, Verlagsrecht). Ein versierter Umgang mit Notation und den Kennzeichnungssystemen in Notenmaterialien, Organisationsgeschick, ein sicherer Umgang mit unterschiedlicher Software und ein allgemeines technisches Grundverständnis sind unerlässlich. Zudem sollte man kommunikativ sein und Freude am Kontakt mit Menschen haben sowie in der Lage sein, in der heterogenen Struktur eines Theater- oder Orchesterbetriebes arbeiten zu können.

Ausbildung

Eine spezielle Ausbildung existiert bislang nicht, es ist daher eine gute Möglichkeit für Quereinsteiger:innen. Grundsätzlich gibt es mehrere Wege zum Beruf: einerseits über ein Studium, z.B. der Musikwissenschaft, des Kultur-/ Orchestermanagements, der Theaterwissenschaft oder eines Instrumentes, andererseits über eine Ausbildung im Bereich Archiv- und Bibliothekswesen.

Berufsbild

Nahezu alle Theater oder Orchester sind heute im Internet präsent. Mit ihrem Onlineauftritt erfüllen sie dabei mehrere Aufgaben: Spielplan auf der Webseite mit direktem Link zum Ticketshop, Informationen über Künstler:innen und das Theater, Trailer für aktuelle Produktionen oder direkter Kontakt mit dem Publikum in den Sozialen Medien.

Dabei sind die Plattformen und Instrumente, auf denen im Internet kommuniziert werden kann, ständig im Wandel. Deshalb sind auch die Strukturen der Online-Arbeit der Häuser sehr vielfältig. In kleineren Theatern wird die Webseite oft vom Marketingteam mitbetreut, während in großen Opern eigene Abteilungen mit mehreren Beschäftigten für einen zeitgemäßen Social-Media-Auftritt zuständig sind. Einige Orchester entwickeln zudem neue digitale Vermittlungsprojekte und präsentieren diese auf ihren Online-Kanälen.

In den meisten Häusern gibt es inzwischen Referent:innen für Online-Kommunikation oder Social-Media-Beauftragte, die für die Inhalte der eigenen Webseite und der Social-Media-Kanäle wie Facebook, Twitter und Instagram verantwortlich sind. Sie sind meist Teil der Abteilung Presse- und Öffentlichkeitsarbeit oder der Abteilung Marketing und arbeiten in engem Kontakt mit der Dramaturgie, da es darum geht, kreative Wege zu finden, um die Inhalte der Produktionen im Netz zu vermitteln und beim Publikum Interesse zu wecken. Darüber hinaus beeinflussen sie mit ihrer Arbeit aber auch das Image des Hauses. Denn sie stehen nicht nur mit dem eigenen Publikum in direktem Kontakt, sondern müssen manchmal auch auf negative Kommentare oder sogar Shitstorms professionell reagieren können.

Voraussetzungen

Um sich in den Sozialen Medien sicher bewegen zu können, muss man kein Digital Native sein. Wichtig sind ein gutes Verständnis für die neuesten Entwicklungen im Online-Bereich und Gespür für den richtigen Ton im Netz. Eine offene Kommunikation und Sicherheit im Umgang mit Texten gehören ebenso dazu, wie ein ausgeprägter Blick für das richtige (Bewegt-) Bild. Oft müssen Ideen und Projekte schnell und ohne viel Aufwand kreativ umgesetzt werden. Daher ist es hilfreich, mit dem Smartphone und Grafik- oder Videoprogrammen wie Photoshop, Indesign oder Premiere umgehen zu können.

Ausbildung

Da es sich bei der Online-Kommunikation um ein sehr junges Berufsbild handelt, gibt es kaum spezialisierte Studienmöglichkeiten im Kulturbereich. Einige (Fach-)Hochschulen bieten Studiengänge und Ausbildungen für den Bereich Online-Marketing oder Online- PR an. In der Kommunikation für Kulturbetriebe gibt es jedoch einige Besonderheiten. So geht es im nicht-kommerziellen Bereich weniger um die Vermarktung eines Produkts, vielmehr stehen Künstler:innen und ihre Arbeit im Mittelpunkt, es sind also andere Fähigkeiten gefragt als im klassischen Marketingbereich. Daher trifft man in der Online-Kommunikation meist Menschen, die nach geisteswissenschaftlichen Studiengängen, einem Journalismus- oder Kulturwissenschafts- bzw. Kulturmanagementstudium zur Öffentlichkeitsarbeit finden. Ein Studium ist zwar keine Grundvoraussetzung, aber von Vorteil. Häufig führt auch ein Praktikum in der Presse- und Öffentlichkeitsarbeit zu einer Spezialisierung auf den Online-Bereich.

Berufsbild

Der Beruf Orchestermanager:in existiert in verschiedenen Formen und mit unterschiedlichen Funktionsbezeichnungen: In Theatern und Rundfunkanstalten sind sie in der Regel Leiter:in der Orchesterabteilung (auch Orchesterdirektor:in oder Orchestergeschäftsführer:in genannt). In Konzertorchestern werden sie Intendant:in genannt.

Orchestermanager:innen haben die Aufgabe, das ihnen anvertraute Orchester weiter zu entwickeln sowohl orchesterintern, als auch künstlerisch und in der Wahrnehmung nach außen, ob in Fachkreisen oder in der breiten Öffentlichkeit. Die interne Arbeit im Haus und mit den Musiker:innen braucht Durchsetzungsvermögen, Geduld und eine klare Vision für das Orchester. Dabei fallen vor allem folgende Aufgaben an: die personelle und organisatorische Leitung des Orchesters, die Steuerung der Produktionen, die künstlerische Planung (meist zusammen mit dem:der Generalmusikdirektor:in bzw. Chefdirigent:in), der Kontakt zu Solist:innen, Dirigent:innen, Künstleragenturen und Veranstaltern, das Marketing sowie die Zusammenarbeit mit betrieblichen Gremien.

Die Aufgaben unterscheiden sich je nach Orchester sowie den persönlichen Kompetenzschwerpunkten, sie sind abhängig von Organisationsform und -struktur des jeweiligen Hauses. Orchesterdisponent:innen, Orchesterinspektor:innen, Leiter:in bzw. Beschäftigte des Orchesterbüros sind Funktionen, die Orchestermanager:innen in ihren Aufgaben unterstützen. In kleineren Theaterorchestern ohne gesondertes Orchestermanagement werden die Aufgaben des Orchesterbereiches in Teilen von ihnen übernommen. Die Arbeitszeiten sind lang, man arbeitet nicht nur tagsüber, sondern orientiert sich auch an Dienstplan und Einsatz des Orchesters.

Voraussetzungen

Für diesen Beruf benötigt man vielseitige Qualifikationen, die je nach Gestaltung der Position unterschiedlich stark ausgeprägt sein können: einerseits künstlerische, musikwissenschaftliche Kenntnisse sowie programmplanerische Ideen und Konzepte, andererseits Erfahrungen im Projekt- und Veranstaltungsmanagement, sowie technische, betriebswirtschaftliche, (arbeits-)rechtliche, (kultur-)politische Fähigkeiten. Besonders wichtig sind Führungskompetenzen für die Arbeit mit künstlerischem und nicht-künstlerischem Personal. Man muss kommunikativ und lösungsorientiert sein und generell Freude am Kontakt mit Menschen innerhalb und außerhalb des Theaters oder Orchesters haben. Insbesondere als Orchestermanager:in an einem Theater muss man in der Lage sein, in unterschiedlichen und komplexen Leitungskonstellationen zu arbeiten.

Ausbildung

Grundsätzlich gibt es viele Ausbildungswege für diesen Beruf. In der Regel wird ein abgeschlossenes Studium erwartet, entweder im Bereich Kultur-/Orchestermanagement oder in anderen Fachrichtungen (z.B. Rechtswissenschaft, Wirtschaftswissenschaft, Musik, Musikwissenschaft, Theaterwissenschaft). Von Vorteil ist es, wenn man ein Instrument erlernt hat und gegebenenfalls eigene musikalische Erfahrungen in einem Ensemble gesammelt hat. Eine regelmäßige Weiterbildung während der Berufsausübung ist unerlässlich.

Berufsbild

Orchestermusiker:innen erbringen im Gegensatz zu Instrumentalsolist:innen ihre künstlerische Leistung in einem Kollektiv – dem Orchester. Orchester gibt es in verschiedenen Größen und künstlerischen Ausrichtungen.

In der Regel übernimmt ein:e Dirigent:in die Leitung eines Orchesters. Die besondere Herausforderung für Orchestermusiker:innen ist daher, die eigene künstlerische Leistung mit dem Spiel der Orchesterkolleg:innen in Einklang zu bringen und gleichzeitig die künstlerischen Ideen und Vorgaben von Dirigent:innen zu erfüllen. Man spielt ein großes Repertoire, muss viele Werke kennen und beherrschen; tägliches Üben ist unerlässlich. Mittlerweile wirken Orchestermusiker:innen auch an Education-Programmen mit, um den Menschen Musik zu vermitteln und zugänglich zu machen.

In Deutschland gibt es vor allem sogenannte Theaterorchester sowie Konzert- und Rundfunkorchester. An Theater angegliederte Orchester spielen schwerpunktmäßig Musiktheatervorstellungen (z.B. Oper, Operette, Musical, Ballett), man kann sie aber auch in Sinfoniekonzerten und anderen Konzertformaten erleben. Sie sind zumeist regional tätig, während sich die Konzert- und Rundfunkorchester auf das Konzertrepertoire konzentrieren und oftmals in verschiedenen Konzertsälen und gegebenenfalls international auftreten.

(Musik-)Theaterorchester arbeiten fast immer in „ihrem“ Theater und spielen während der Vorstellungen im Orchestergraben, der zwar vor der Bühne, aber eine „Etage“ tiefer ist. Die Musiker:innen sitzen dort sehr eng beieinander, das Publikum sieht sie fast gar nicht. Konzertorchester hingegen spielen in Konzerthäusern auf der Bühne und reisen viel. Als Orchestermusiker:in ist man fast immer unbefristet angestellt, den Tag und die Abende verbringt man viele Jahre also mit denselben Menschen.

Ein Orchester setzt sich aus mehreren Gruppen zusammen. Die Streicher:innen unterteilen sich in die ersten und zweiten Violinen, die Violen (Bratschen), die Violoncelli und die Kontrabässe. Jede dieser Gruppen setzt sich wiederum aus Stimmführer:innen, und Tuttist:innen zusammen. In den ersten Violinen heißen die Stimmführer:innen „Konzertmeister:innen“ und tragen eine besonders große Verantwortung für das gesamte Orchester.

Die Holz- und Blechbläsergruppen unterscheiden sich in ihrer Struktur und Spielweise grundlegend von den Streichergruppen. Während jede Streichergruppe grundsätzlich gemeinsam eine Stimme spielt, gibt es in den Bläsergruppen vorwiegend Einzelstimmen.

Darüber hinaus verfügt ein Orchester über eine Pauken-/Schlagwerkgruppe und eine oder mehrere Harfenpositionen

Voraussetzungen

Wer Orchestermusiker:in werden möchte, sollte man früh damit anfangen, ein Instrument zu lernen. Ein genaues Anfangsalter ist schwer zu bestimmen, manche beginnen im Kindergarten (Streichinstrumente), manche in der Grundschule (Blasinstrumente). Ein gutes Gehör, Klangsinn und rhythmisches Empfinden, sowie die für das jeweilige Instrument erforderliche körperlich-motorische Grunddisposition sind Voraussetzung für das Erlernen eines Instrumentes und damit für den Orchestermusiker:innen-Beruf.

Sein Instrument muss man außergewöhnlich gut beherrschen. Team- und Kommunikationsfähigkeit sind wichtig, da es in einem Kollektiv immer darum geht, nicht hervorzustechen, sondern zusammen mit der Gruppe etwas zu gestalten. Bevor man sich bewirbt, sollte man sich im Klaren darüber sein, ob man in ein (Musik-)Theaterorchester oder in ein Konzertorchester möchte. Die damit verbundenen Lebens- und Arbeitsbedingungen sind – wie im Berufsbild beschrieben – sehr unterschiedlich.

Um nach dem Studium in einem Berufsorchester eingestellt zu werden, ist das erfolgreiche Absolvieren eines Probespiels maßgeblich. Dort muss man ein einschlägiges Solostück vortragen und Ausschnitte aus verschiedenen Orchesterwerken spielen. Zunehmend wird bei Probespielen auch kammermusikalisches Spielen abgeprüft. Je nach Position können zudem Gespräche mit den Führungskräften des Theater- oder Orchesterbetriebes stattfinden. Orchestermusiker:innen verbringen meist sehr viele Berufsjahre an einer Arbeitsstelle und wechseln nicht oft. Beide Seiten sollten daher sicher sein, dass sie zueinander passen, nicht nur musikalisch, sondern auch menschlich.

Ausbildung

Die Ausbildung fängt in der Regel bereits im Kindes- und Jugendalter an öffentlichen oder privaten Musikschulen an. Auch viele Orchestermusiker:innen und freie Musiker:innen geben Musikunterricht.

Wer für ein Instrumentalstudium geeignet ist, kann sich – verbunden mit der Grundausbildung auf einem weiteren Instrument und in Musiktheorie – so auch auf Aufnahmeprüfungen an einer Musikhochschule vorbereiten. Nach dem Hauptschulabschluss, besser aber mit einem höheren Schulabschluss, kann man sich dieser Aufnahme- oder Eignungsprüfung an einer Musikhochschule oder vergleichbaren Institution stellen, die in der Regel aus dem Vorspiel vorbereiteter Werke, dem Vom-Blatt-Spiel, musiktheoretischen Tests sowie einer Prüfung in Gehörbildung besteht.

Im Studium erhält man Unterricht auf dem Hauptinstrument und etwaigen Nebeninstrumenten sowie auf dem Klavier. Weiterhin stehen Musiktheorie, Gehörbildung, Musikgeschichte und andere theoretische Nebenfächer auf dem Stundenplan. Die Mitwirkung in kammermusikalischen Ensembles und im Hochschulorchester ist meistens verpflichtend.

Ausgehend von einem Bachelor-Studium, kann anschließend in verschiedenen Aufbaustudien die Ausbildung erweitert werden. Parallel zum Studium empfiehlt sich das Musizieren z.B. in Jugend- und Studierendenorchestern. Berufsorchester bieten teilweise studienbegleitende Programme zur praxisorientierten Ausbildung an (z.B. Orchesterakademien).